El Art Deco es un movimiento artístico nacido en la década de 1910 , principalmente después de la Primera Guerra Mundial (1918), que tuvo su apogeo en la década de 1920 antes de declinar lentamente desde la década de 1930 para terminar con la Segunda Guerra Mundial (1939). Es el primer movimiento de arquitectura-decoración de carácter mundial.
El estilo Art Deco toma su nombre de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que se celebró en París en 1925.
"Art Deco" es la abreviatura de "Artes decorativas", y se refiere a la arquitectura , más especialmente la arquitectura de interiores con sus tapices, vidrieras, pinturas y esculturas ornamentales, su ebanistería, el uso de la cerámica, la orfebrería. A él se le puede asociar el diseño que comienza con una gran serie de equipamiento para el hogar y la oficina, así como la moda de la indumentaria y la tipografía de letreros y anuncios desplegados y letreros.
El estilo Art Deco despegó antes de la Primera Guerra Mundial contra las volutas y formas orgánicas del Art Nouveau . Consiste en una vuelta al rigor clásico: simetría, órdenes clásicos (a menudo muy estilizados), piedra labrada (sin ningún efecto pintoresco). La decoración, en general todavía muy presente, ya no tiene la libertad del siglo XX ; está estrictamente supervisado por sus creadores y su diseño está inspirado en la geometrización cubista .
Orden, color y geometría: se establece la esencia del vocabulario Art Deco. Vocabulario que toma diferentes formas según las regiones, según los arquitectos y sus clientes, su unidad estilística se debe al uso de la geometría (geometrización) cuyos propósitos son esencialmente decorativos - y no estructurales -, a diferencia del movimiento de las vanguardias internacionales. , también conocido como modernismo o estilo internacional , que establece principios arquitectónicos de volúmenes de ventanas y circulación armónica. Estas dos arquitecturas de decoración "rica" y, por otro lado, de la "pureza" que da la simplicidad, de hecho incluirán puentes entre ellas según el rigor de la aplicación de los principios en uso entre los arquitectos en el país de aplicación y con variaciones de cada individuo. estilo de producción de orden pragmático.
El estilo Art Deco es el primero que se ha distribuido en todo el mundo, creado en Bélgica y luego tocando Francia , Portugal , España , África del Norte y todos los países anglosajones ( Reino Unido , Estados -Unis y su activo Art Deco ”, Canadá , Australia , Nueva Zelanda , India , Filipinas , etc. ), así como las principales ciudades de Vietnam para el movimiento inicial, varias ciudades chinas como Shanghai y Hong Kong , o Japón, por ejemplo, para el Príncipe Asaka. palacio en Tokio.
Las fuentes del Art Deco deben buscarse desde los años 1900-1910.
Una reacción contra el Art Nouveau aparece al final de la XIX ª siglo en Bélgica , el comienzo del XX ° siglo Francia, Alemania , la Holanda , etc. : algunos ya califican las formas Art Nouveau como "suaves", o incluso "estilo fideo". Por tanto, se orientan hacia líneas sencillas, composiciones clásicas y un uso parsimonioso de la decoración. Este deseo de volver al orden, la simetría y la sobriedad adquiere diferentes expresiones según el país.
En Austria , por ejemplo, la línea ondulada de los primeros días del Art Nouveau fue rápidamente reemplazada por una red de líneas ortogonales y volúmenes simples, bajo la influencia del arquitecto y diseñador escocés Charles Rennie Mackintosh . Los artistas emblemáticos de esta tendencia son Josef Hoffmann , Koloman Moser , Otto Wagner y la Wiener Werkstätte .
La oportunidad de un pedido realizado a Josef Hoffmann introdujo este desarrollo en Bruselas , una gran ciudad Art Nouveau, de 1905 a 1911 : el Palacio Stoclet . Los interiores, conocidos a través de fotografías, movilizan a todos los Wiener Werkstätte y al pintor Gustav Klimt .
En Francia, los primeros signos de este deseo de cambio fueron perceptibles a partir de la década de 1900. Analizar la obra de Henri Bellery-Desfontaines nos permite medir el paso, desde 1902-1904, entre Art Nouveau y Art Deco: este generoso artista n él fue no el único en ese momento que operaba un punto de unión entre estilos, para reducir las fronteras entre "decorativo", artesanal y artístico: Jean-Frédéric Wielhorski procede de la misma manera cuando diseñó el edificio Duthoo en Tours (1907-1910) .
En 1907, Eugène Grasset publicó un Método de composición ornamental que dio un lugar privilegiado a las formas geométricas y sus variaciones. Esta visión contrasta con la libertad ondulante del estilo de Héctor Guimard , tan popular en París unos años antes. Al año siguiente, Paul Iribe diseñó un álbum de moda para Paul Poiret , cuya estética impresionó al medio parisino con su novedad.
Tercer evento importante, el Salon d'Automne en 1910 vio la invitación de artistas de Munich que durante varios años habían adoptado formas estrictas y sencillas. Hacia 1910, los decoradores franceses André Mare , Louis Süe y Paul Auscher también desarrollaron su estilo hacia un mayor rigor y moderación. En escultura, François Pompon crea su famoso oso.
Arquitectónicamente, entre 1910 y 1913, se inició la construcción del teatro Champs-Élysées , otro signo del cambio estético radical experimentado por el medio parisino de la época. Primero confiado a Henry Van de Velde , el diseño y la construcción regresaron rápidamente a Auguste Perret . La rigurosa composición de la fachada y el lugar mesurado dejado a la decoración impresionaron los ánimos durante la inauguración en 1913. Por último, Henri Sauvage renovó desde principios de siglo los referentes arquitectónicos formales y sus referencias técnicas mediante edificios escalonados.
Estos desarrollos se resumen en 1912 de la pluma de André Vera , un decorador. Su artículo, “Le nouveau style”, publicado en la revista L'Art Décoratif , expresa el rechazo a las formas Art Nouveau , asimétricas, policromadas, pintorescas y que despiertan más sentimientos que la razón. Pide una “sencillez voluntaria”, un “material único” y una “simetría manifiesta”. El fin de los artistas Exhorta artículo que se ha inspirado en el clasicismo de la XVII ª siglo marcado por "la claridad, el orden y la armonía." Pide retomar el hilo de la historia de los estilos franceses del período Louis-Philippe , sin pegar. Las últimas palabras de Vera describen dos temas que serán omnipresentes en el futuro estilo Art Deco, “la canasta y la guirnalda de flores y frutas” .
Se hace la influencia de la pintura de la década de 1910, un momento de difusión y popularización del fauvismo , y más aún del cubismo . Los pintores de la Sección Áurea exhiben obras que a menudo son más accesibles al público que las de Picasso y Braque del período del cubismo analítico . Los temas (deporte, mundo obrero, etc. ) y los colores brillantes contrastan con los bodegones fragmentados y vanguardistas de los pioneros del movimiento. El vocabulario cubista atrae a los diseñadores de moda, muebles y decoración de interiores.
Finalmente, el París de la década de 1910 descubre los ballets rusos de Serge Diaghilev , que mezclan danza, música y pintura, inspirados en Las mil y una noches . Son una invitación al lujo y al exotismo; los trajes son creados por Léon Bakst y muchos otros. De ahí la moda de los abanicos, las plumas, los chorros de agua, los colores vivos. Los colores inusuales prevalecerán en la decoración y el mobiliario: veremos tocador con paredes naranjas, salones colgados en negro.
Fue realmente en la década siguiente, la de los años veinte, cuando se desarrolló el movimiento. Mientras que la Alemania de la década de 1920 fue objeto de una grave crisis económica (como atestiguaron los artistas de la Nueva Objetividad ), Francia vio cómo su economía se recuperaba nuevamente. Las crisis monetarias de 1924 y 1926-1927 no obstaculizarán una progresión que culminará en 1930. El mundo en su totalidad, aparte de estos dos polos antagónicos, se prepara para la velocidad y los movimientos rápidos.
Esta reanudación de la paz mundial no puede hacernos olvidar las dificultades dejadas sobre el terreno por la guerra; las ciudades destruidas tuvieron que ser reconstruidas. Reims y Saint-Quentin , por ejemplo, han sido arrasados al 80% y serán reconstruidos en gran parte en un estilo arquitectónico del presente y su riqueza constituida por Art Deco ).
La mentalidad ambiental está evolucionando con esta larga guerra que une a poblaciones de todos los rincones del mundo en primera línea. En el período de la posguerra, cambió el significado de los contenidos de los museos, que se habían convertido en etnográficos modernos. También cambia la forma en que la comunidad artística ve lo confinado al exotismo, como lo que se había producido anteriormente en la arquitectura inglesa de la ciudad de las casas y jardines (verandas, terrazas, etc.). El modernismo, de hecho, concierne a ciudades conectadas al mundo, por ejemplo, Burdeos (y, enfrente, Nueva York). Sin embargo, la inestabilidad monetaria en Europa genera una subida constante de los precios hasta 1927 en Francia y la legislación francesa sobre alquileres provoca una grave crisis inmobiliaria para las clases populares y medias.
Pero el comienzo de la década de 1920 también vio manifestaciones de la presencia de la riqueza financiera que permaneció intacta de las clases más ricas en Francia. En París, como en las grandes ciudades de provincia, los comentaristas de la época observaron la construcción de ricos edificios de apartamentos, villas y mansiones. Tantos proyectos prolíficos para decorar artistas y arquitectos Art Deco. La tendencia es simplificar la obra para ganar velocidad de ejecución, tendencia que estructura toda la arquitectura con principios modernos, hasta el punto de utilizar estructuras constructivas en hormigón armado y perfiles metálicos. El modelo de la altura creciente del edificio, signo de riqueza y modernidad, está tomado de Estados Unidos, que parece ser el país económicamente más floreciente de la época. Este deseo de altura está contenido en planes urbanísticos que no se apartan de sus reglas a menos que la arquitectura del edificio lo justifique. La razón suficiente es la aportación de progreso estructural del refugio (construcción de garajes integrados por ejemplo) o estético (carácter patrimonial) en la construcción.
Porque, en general, la década de 1920 también fue escenario de desarrollos en varios campos:
En las décadas de 1920 y 1930, antes de la llegada de la aviación comercial de larga distancia, la principal forma de transporte intercontinental era el trasatlántico. La feroz competencia entre empresas como la estrella de Cunard-White (Gran Bretaña), la HAPAG (Alemania), la Compagnie générale transatlantique o Transat (Francia) y la Compagnie Flote riunite Italiane (Italia), se dobla como una prestigiosa lucha entre naciones para traiga liners cada vez más rápidos, elegantes y cómodos en línea. A partir de la década de 1920, los astilleros comenzaron a optar por el modernismo para el equipamiento interior y la decoración de los barcos. Mientras que los barcos ingleses Queen Mary y Queen Elizabeth siguen imbuidos de un clasicismo bastante sabio, en la continuidad de sus predecesores el Mauretania , Lusitania o Titanic , el Compagnie Générale Transatlantique (más coloquialmente el "Transat") se atreve con el modernismo para el transatlántico Île de France (1927) y especialmente la Normandía de 1935, una auténtica catedral de Art Deco junto al mar con decoradores como Louis Süe y André Mare , Jean Dunand , Patout et Pacon, Raymond Subes , Jacques Carlu , Carlhian, etc. Los alemanes siguieron su ejemplo con el Bremen y el Europa cuyos espacios interiores fueron confiados al gran arquitecto Paul Troost . Italia no se queda atrás con los dos transatlánticos Rex y Conte di Savoia , emblemáticos de la era Mussolini , cuya decoración combina el modernismo y la reinterpretación de la Antigüedad romana.
Los transatlánticos de lujo son símbolos de progreso y opulencia, de un sueño de una vida mejor, que los arquitectos terrestres aprovechan este prestigio y diseñan edificios inspirados en los más bellos barcos transatlánticos. Este es el caso de Georges-Henri Pingusson , con el hotel Latitude 43 que domina Saint-Tropez , el hotel Normandie en Puerto Rico (en) y muchos otros edificios de la década de 1930 que retoman los rasgos estilísticos del barco Almirante de la Transat: volúmenes redondeados, terrazas escalonadas o ventanales con cortinas horizontales. Esta variante de Art Deco a menudo se conoce como el estilo del forro en Francia o Streamline Moderne en los Estados Unidos.
En Francia, el éxito del Art Deco, en su apogeo en los años 1920-1930, fue destruido por la Segunda Guerra Mundial . Anticipándose al interés de los museos (y de muchos coleccionistas, algunos de los cuales son bien conocidos en otros lugares, como Alain Delon , Yves Saint-Laurent o Claude Berri , por limitarse a los franceses), los galeristas o anticuarios parisinos iniciaron su redescubrimiento en los años 1960-1970 (ejemplos de artistas afectados: Pierre Legrain , Eileen Gray , Jean Dunand , etc.), en el origen de la explosión del mercado de la década de 1990. Entre los más emblemáticos se encuentran Alain Blondel o Robert y Cheska Vallois, pero también Stéphane Deschamps , Yvette Baran, luego su hija Anne-Sophie Duval, Bob Walker, Alain Lesieutre , Félix Marcilhac , François-Gérard Seligmann, Bernadette Fenwick, Michel Perinet, etc., cuyos nombres aparecen regularmente en monografías relacionadas con el Art Deco o Art Nouveau, tanto académico como público en general. , así como en periódicos que informan de importantes subastas de colecciones ( Figaro , Gazette Drouot , etc.). Fue la venta en 1972 de la colección Jacques Doucet lo que popularizó el Art Deco entre el público en general.
La palabra Art Deco nació en la década de 1960 para designar el estilo que triunfó en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, que tuvo lugar en París en 1925. Los nombres “Artes Aplicadas” o “Estilo 1925” lo han precedido.
En este conjunto de arquitectura, fabricación de muebles e interiorismo conviven dos tendencias distintas:
En arquitectura, esta tendencia funcional se refleja en la arquitectura estructural y afecta principalmente a edificios públicos como hospitales, oficinas de correos, escuelas, estadios, terminales aéreas y terminales portuarias de pasajeros. Pero el enfoque de arquitectura estructural también se aplicará a la vivienda colectiva (ver, por ejemplo, las “unidades de vivienda” de Le Corbusier ).
Uno de los temas de la arquitectura ostentosa era utilizar las formas de los objetos que utilizaba a diario el propietario del edificio para aplicarlos al edificio. Por ejemplo, el techo del Edificio Chrysler en Estados Unidos evoca los parachoques de los autos de la marca. Este concepto alcanza su clímax más tarde con el estilo California Crazy , donde el objeto sobredimensionado es un elemento del edificio o del edificio en su conjunto (edificios en forma de hot dog , piano , perro …).
Esta formulación de Art Deco también permite un retorno a formas y materiales premodernos (uso de personal de una manera notablemente fuerte en ciertos logros). La estatuaria de la fachada proviene de la formulación clásica y antigua de los Atlantes , cariátides y mascarones , una formulación que lleva símbolos religiosos protectores. A esta estatuaria se le aplica una reformulación simbólica, una marca positiva. Allí, la estatuaria representa figuras neutrales o representaciones personales de los comisionados que marcan su importancia (como en la Antigüedad). Se utilizan materiales contemporáneos (plásticos por ejemplo). Las formas depuradas de las vidrieras, sus motivos a veces figurativos (hasta el punto de representar fábricas), a veces abstractos, son representativos del mundo contemporáneo de la época, de la industrialización.
Sin un líder real ni una teoría establecida, el Art Deco fue criticado en el mundo creativo arquitectónico desde sus primeros años por su superficialidad. Esta arquitectura fue especialmente utilizada para todos los edificios destinados a realzar la imagen de su patrocinador, o evocar actividades de ocio: arquitectura comercial (tienda, oficina central, etc.), teatros y cines, pero también arquitectura doméstica (la decoración sirve como signo de distinción social durante las recepciones, muy de moda en todos los países interesados). Afectando primero a las clases más ricas, este estilo fue rápidamente demandado en todo el cuerpo social y se hizo muy popular. En cuanto a la profesión de arquitecto, este período formula la evolución de la profesión de arquitecto-artista en arquitecto-ensamblador que combina para un proyecto de artistas y técnicas de artesanos o industriales.
La importancia cultural contemporánea del Art Deco varía según el país en cuestión. Es relativamente débil en Francia, su país de origen. Es solo el contrapunto a la arquitectura modernista despojada, que estuvo muy de moda, todas las clases sociales combinadas, después de la Segunda Guerra Mundial. Es importante en Bélgica. Estuvo presente en el norte de África colonial y se mezcla con su contraparte, la rigurosa arquitectura del Movimiento Moderno , para constituir un patrimonio que se conservará actualmente tras la descolonización. Y el estilo Art Deco fue muy importante en la historia de Canadá y la de Estados Unidos (con sus rascacielos marcando su riqueza), dos países que integran arquitecturas de otros países, cuya cultura occidental fue refinada en comparación. Aquí fue donde se creó la Artes Decorativa y donde continúa.
Este componente tiene toda su importancia en la "corta historia" de estos países, lo que conduce a su independencia cultural, donde la destrucción del patrimonio local no se debe a guerras. Este estilo es la marca de riqueza de la futura jet set , en constitución después de la Segunda Guerra Mundial, que reemplaza a la clientela de los transatlánticos de lujo que unían Europa con América. Esta arquitectura es llevada por vestíbulos ostentosos y simbólicos, circulaciones verticales en lujosos ascensores e interiores igualmente refinados en pisos, así como inscripciones y figuras estatuarias externas simbólicas. Gran parte de este equipo se importó originalmente de Europa bajo la acción de arquitectos europeos y estadounidenses. En América del Sur, este estilo existe de la misma manera por las mismas razones.
Cartera con tapa de acero cromado creada por Pierre Legrain hacia 1925.
Loza agrietada para Manufrance en 1930 por la Faïencerie Saint-Clément.
La "Beau Brownie ", una cámara diseñada por Walter Dorwin Teague para Kodak en 1930.
Pluma estilográfica Parker y pluma estilográfica , alrededor de 1930.
El uso de revestimiento de hormigón proporciona una superficie más lisa y desnuda que el ladrillo, que recuerda a los enormes bloques de piedra utilizados en estas civilizaciones anteriores.
Los marcos suelen ser de roble . Las estructuras moldeadas o enchapadas utilizan caoba , palisandro , tuya , amaranto , limón … Contrastes de madera clara (limonero) y madera oscura (amaranto), colores y materiales. Si se usa tapicería, se pintan decoraciones de pared estilizadas en las paredes y en los papeles pintados.
Los volúmenes son paralelepípedos, con ángulos agudos, redondeados o con lados cortados. El círculo y el octágono también son populares.
Los rascacielos Art Deco generalmente están hechos de segmentos apilados de dimensiones decrecientes cuyas uniones se hacen en ángulos rectos. En general, esta geometría proviene de los nuevos planes urbanísticos implantados. Las cornisas y los dinteles de las ventanas están cubiertos con altos relieves geométricos.
El mobiliario en el origen del Style 1925 es el último testimonio de una larga tradición francesa. Los asientos son a menudo de inspiración Directorio o Restauración. La preocupación por la comodidad se nota en los sillones, inspirados en el sillón club , con formas profundas. La madera es apenas visible y, a menudo, está oculta por un revestimiento de cuero o textil.
El rincón acogedor, una creación de la época, está de moda. Es un sofá de esquina, empotrado en una carpintería con varios estantes.
Las cajoneras y las unidades de apoyo a menudo tienen fachadas curvas, incluso abultadas. Las mesas son redondas, ovaladas o rectangulares con los ángulos rotos. Los tocadores y los escritorios de señoras son especialmente refinados.
Las formas de los muebles siguen siendo clásicas, a veces con recuerdos de estilos anteriores: Luis XVI , Directory , Louis-Philippe y muebles africanos tradicionales. Pero el arte cubista impulsará la simplificación de las formas.
Los muebles a menudo se apoyan en zócalos. Si la línea es refinada, los muebles muestran una decoración cuidada y, a menudo, lujosa. Las molduras son raras. Las representaciones solares con rayos son recurrentes.
La escultura es muy plana. Utiliza un repertorio geométrico, floral o animal, muy estilizado, geométrico. La rosa está muy presente en ramo, canasta, guirnalda. Para el tratamiento de superficies utilizamos dorado, lacado o marquetería : incrustaciones de redes, planchas de marfil (influencia del arte negro ), nácar o metal (plata, cobre, latón, aluminio).
Destacamos la coloración de determinadas maderas, como el arce , teñidas de rojo, azul, verde o gris (gusto por la policromía nacido de los Ballets Rusos ).
Las figuras están estilizadas, los motivos se repiten regularmente. La tela a menudo satura los interiores con ritmos espasmódicos y vivos que recuerdan los de la música ligera de la época. Todos los motivos e influencias ya mencionados se repiten con una constancia que sin duda contribuye a la unidad del estilo, pero también acaba asfixiando los interiores.
Los muebles Art Deco son obra de artistas decoradores destinados a una clientela adinerada, sedienta de novedades, pero que sigue siendo relativamente conformista. Se trata de muebles hechos por ebanistas que buscan el lujo y la perfección. Los muebles son, por tanto, piezas únicas. La fórmula Art Deco caracteriza un estilo decorativo internacionalmente popular. Inicialmente Art Deco, el estilo moderno o internacional, pertenece a un mundo de lujo y opulencia, es una amalgama entre arte y artesanía .
Capitolio del estado de Luisiana , Baton Rouge (1930-1932).
Palais de la Porte Dorée de París (1931).
Hoteles Art Deco de Miami Beach , en Ocean Drive.
Colony Hotel , South Beach , Miami Beach .
Marlin Hotel en Collins Avenue , Miami Beach .
Edificio GE (Rockefeller Center), Nueva York (1933).
Iglesia de San Wenceslao, Chicago .
Aguja del Ayuntamiento de Buffalo (1935).
Bajorrelieve del Empire State Building en su vestíbulo.
Seguros Nueva India, Bombay (1936).
Piscina Art Deco de Roger Salengro , Bruay-la-Buissière (1936).
Edificio en 18, rue de Vesle, Reims (1925).
Le Comptoir de l'Industrie, Reims (1930).
Majestic Hotel en Cannes .
Vidriera de la estación de Limoges-Bénédictins (1929).
Eden Cinema de Saint-Jean-d'Angély (Charente-Maritime, Francia), de André Guillon (1931).
Edificio de Oficinas Estatales Alfred E. Smith en Albany (Nueva York) .
Cine Eldorado en Dijon ( Côte-d'Or , Francia, 1920).
Elemento decorativo en la estación de metro de Southgate en Londres.
Señal de ventilación en la estación de metro Turnpike Lane en Londres.
Broadcasting House en Londres (1932), junto a la Iglesia All Souls .
Bandera de Polonia, París, 1925.
El cigarrillo Fábrica de Carreras , Londres, 1928.
Compagnie Générale Transatlantique, Marsella 1928.
Palacio ARA , Praga, 1928.
La oficina de correos en el distrito de Saint-Aubin de Toulouse .
La antigua sede de La Dépêche , Fachada de 42 bis, rue Alsace-Lorraine en Toulouse .
La antigua sede de La Dépêche , Fachada en 15, rue Rivals en Toulouse .
Fachada de la biblioteca de estudios y patrimonio de Toulouse , en 2014.
Hay muchos otros ejemplos de edificios inspirados más o menos en la arquitectura Art Deco en toda Francia; pero están más particularmente presentes en las zonas del norte y el este de Francia que sufrieron destrucción durante la Primera Guerra Mundial , la “ Reconstrucción ” apeló en gran medida al estilo en boga en ese momento, a veces asociado allí a elementos de la región. arquitectura.
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