Steve Reich

Steve Reich Descripción de esta imagen, también comentada a continuación Steve Reich en 2006 Llave de datos
Nombre de nacimiento Esteban Michael Reich
Nacimiento 3 de octubre de 1936
Nueva York ( Estados Unidos )
Actividad principal Compositor
Estilo Música contemporáneaMusica minimalista
Años de actividad Desde 1965
Colaboraciones Terry Riley , Philip Glass y Beryl Korot
Editores Boosey y Hawkes
Capacitación Universidad de Cornell (1953-57)
Juilliard School of Music (1958-61)
Mills College (1961-63)
Maestros Darius Milhaud , Luciano Berio
Cónyuge Berilo korot
Premios Praemium Imperiale ( 2006 )
Premio Polar de Música ( 2007 )
Premio Pulitzer de Música ( 2009 )
Premio Nemmers de Composición Musical ( 2016 )
Sitio de Internet www.stevereich.com

Obras primarias

Steve Reich seis marimbas.jpg Fase de piano Música de
percusión
para 18 músicos
Música del desierto
Trenes diferentes
Vida en la ciudad
Tres cuentos

Steve Reich , nacido el3 de octubre de 1936en Nueva York , es músico y compositor estadounidense . Se le considera uno de los pioneros de la música minimalista , una corriente de música contemporánea que juega un papel central en la música clásica en los Estados Unidos . Para caracterizar su obra, y especialmente sus composiciones del período 1965-1976, prefiere utilizar la expresión “  música de fase  ” (traducida del American Phasing ), que hace referencia a su invención de la técnica musical del cambio de fase . A partir de 1976 , desarrolló una escritura musical basada en el ritmo y la pulsación con una de sus obras más importantes, Música para 18 músicos , que marcó el inicio de su amplio éxito internacional. A partir de entonces reconocido como un compositor contemporáneo imprescindible, orientó su trabajo de composición en torno a la puesta en escena musical del discurso, en particular en trabajos multimedia asociando el video creado en colaboración con su esposa Beryl Korot .

Aunque ha jugado un papel central en la evolución de la música contemporánea y, a través de sus obras, ha influido en artistas más allá de su campo de creación, como la música electrónica y la danza contemporánea , Steve Reich sigue siendo un compositor. de su carrera, sólo unas cincuenta piezas distintas. Sin embargo, estos le han valido numerosos premios y distinciones internacionales y son objeto de una discografía muy importante.

Biografía

Juventud y estudios

Steve Reich, nacido en una familia judía de clase media de Nueva York en 1936, es hijo de Leonard Reich, un abogado, y June Sillman, quien actúa como actriz, cantante y compositora en Broadway . Sus padres se separaron cuando él tenía un año, lo que lo llevó a vivir hasta 1942 entre Nueva York, donde fue criado por su institutriz, Virginia Mitchell, y Los Ángeles durante las vacaciones con su madre, quien se volvió a casar con Sidney Carroll con quien. tendrá otros tres hijos, incluido el autor de la fantasía Jonathan Carroll . A los siete años tomó lecciones de piano pero, según él, estará más interesado en los años siguientes en la música popular. Durante su adolescencia, también descubrió el jazz a través de sus amigos y fundó con ellos, a los 14 años, un grupo del que tocaba la batería. Su pasión por el ritmo lo llevó a estudiar seriamente percusión con Roland Kohloff, timbales de la Filarmónica de Nueva York .

Al inicio de sus estudios en 1953, Steve Reich siguió por primera vez un curso de filosofía durante el cual estudió en particular los ensayos de Ludwig Wittgenstein pero también la historia de la música con William Austin, que tendría una gran importancia en la orientación de sus estudios. Gustos musicales. Se graduó de la Universidad de Cornell en 1957. Contrariamente a los deseos de su padre, que quería que ejerciera una profesión liberal, decidió realizar estudios musicales en la Juilliard School of Music de Nueva York , donde se inscribió. 1958 a 1961 en clases de piano y percusión con William Bergsma y Vincent Persichetti , pero también de composición en clases particulares con el pianista de jazz Hall Overton . También fue durante este período que conoció a Art Murphy (quien se convertiría en un futuro miembro de su grupo), Peter Schickele y Philip Glass , también estudiante en el Juilliard pero con quien luego declaró no tener nada en común. Su vida personal estuvo marcada en este momento por un primer matrimonio en 1960 con Joyce Barkett, de quien nació un hijo Michael en 1962, pero la pareja se separó un año después. Decide partir hacia San Francisco en el verano de 1961, donde vive un período de dudas personales y realiza trabajos ocasionales.

De 1962 a 1963, estudió composición con Darius Milhaud y música atonal con el recién contratado Luciano Berio en Mills College en Oakland , California, donde obtuvo su Maestría en Artes . Fue durante este período que decidió no componer en el estilo entonces dominante de la música serial , incluso declarando, en reacción en contra:

“  John Cage y el serialismo fueron para mí una influencia para luchar por encima de todo. "

El estudio del serialismo con Berio empujó a Steve Reich hacia su atracción natural por el ritmo y la tonalidad . Durante sus intentos de composición en serie, Reich se encontró distorsionando el sistema, utilizando la repetición de la serie en la misma forma, para integrar un poco de armonía en él. Entonces Berio le dirá: "Si quieres escribir música tonal , adelante, escribe música tonal" . También fue durante sus años de estudio en el Mills College cuando Steve Reich hizo su primer contacto con la música africana, gracias a Gunther Schuller , quien le presentó el primer ensayo teórico sobre el tema, Studies in African Music de Arthur Morris Jones , una obra que, por tanto, formará parte de sus libros de referencia.

Luego continuó su descubrimiento del jazz modal a través de John Coltrane, quien tendría una fuerte influencia en su escritura, dentro de un grupo de improvisación que incluía a Jon Gibson , con quien trabajó regularmente durante seis meses. En ese momento asistió al San Francisco Tape Music Center , institución reconocida por su trabajo en la música electrónica emergente y la música concreta . Reich también asiste al San Francisco Mime Troupe cuyo director le pide que componga la música para su producción de Ubu Roi de Alfred Jarry, que se estrenó el10 de diciembre de 1963. Luego conoció a Robert Nelson  (en) , un cineasta experimental para quien escribió la música original de dos cortometrajes, The Plastic Haircut y Oh Dem Watermelons , en 1964 , que ya utilizaba cintas magnéticas y el principio como medio: los bucles . El mismo año compuso Música para dos o más pianos (1964), donde experimentó con los inicios del phasing , estableciendo así los primeros hitos de sus futuras técnicas. Fue también con motivo de las veladas musicales organizadas por Reich en la calle Boccana con esta compañía de mimos que conoció enMayo de 1964de Terry Riley que vino a atender a uno de ellos como vecino. Riley y Reich luego se dan cuenta de sus intereses comunes y este último propone ser parte del conjunto que Riley está luchando por armar para la próxima presentación de su nueva pieza. La4 de noviembre de 1964, participa como pianista, con Jon Gibson (al saxofón) y su entonces novia Jeannie Brechan (al piano eléctrico) a quienes reclutó, en la creación de In C , considerada la obra fundacional de la corriente minimalista . Es Reich sugiere que Riley utilizó un pulso rítmico marcado y constante en el piano En C . A su vez, la influencia de Riley en las futuras composiciones del Reich será de gran importancia.

Inicios del minimalismo

Steve Reich conoció a Terry Riley en el verano de 1964, y este último le ofreció participar en el estreno mundial de4 de noviembre de 1964de In C , considerada por los musicólogos como una de las primeras composiciones importantes del movimiento minimalista . Más allá de su participación en la actuación, Reich también contribuye a la escritura de esta pieza sugiriendo a Riley que use un pulso fijo. Luego compuso sus dos primeras obras reconocidas, It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966). Considerados experimentales, en realidad son en parte el resultado de un accidente técnico que lo llevó a descubrir el principio de cambio de fase / cambio de fase . Estas dos piezas también reflejan una conciencia política, particularmente a favor del movimiento de derechos civiles en los Estados Unidos y el peligro de una escalada nuclear. EnSeptiembre de 1965Regresó a Nueva York, se instaló en el distrito de TriBeCa y frecuentó a muchos artistas del movimiento minimalista como Robert Rauschenberg , Sol LeWitt y Robert Smithson . En 1968, escribió su ensayo Music as a Gradual Process, que apareció al año siguiente y fue incluido en el catálogo de una gran exposición minimalista en el Whitney Museum . Steve Reich colabora en 1969 con Philip Glass y Moondog en su esfuerzo común por crear un fuerte movimiento musical minimalista, iniciado unos años antes. Todavía continúa su aprendizaje musical, en particular la percusión africana, con Gideon Alorworye en el Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana en Accra, donde pasó el verano de 1970. A su regreso, influenciado por su experiencia, compone Drumming , un pieza de percusión en la que aplica su investigación teórica y para cuya interpretación fundó su propio conjunto llamado Steve Reich and Musicians . Luego emprendió el estudio del gamelán de Indonesia, esta vez en Seattle y California, en particular con Nyoman Sumandhi de 1973 a 1974.

Paralelamente a este aprendizaje, compuso una obra original basada en la técnica de la repetición y el uso de sonidos de la vida cotidiana. Sin embargo, no abandona los instrumentos tradicionales para los que compone muchas piezas instrumentales u orquestales. Su trabajo fue reconocido internacionalmente en 1971 , con la grabación de Drumming en el Deutsche Grammophon , convirtiéndose en una de las figuras de la música estadounidense contemporánea y, en particular, de la escuela de la llamada música repetitiva , junto a Terry Riley y Philip Glass . Luego obtuvo una residencia en Berlín en 1974 , actuó frecuentemente con su conjunto, obtuvo encargos de composición y publicó Writings About Music , una suma teórica de sus técnicas de composición y sus perspectivas. También conoció ese año a la artista visual Beryl Korot , actuando en The Kitchen , con quien se casó con la30 de mayo de 1976, con quien tendrá un hijo, Ezra Reich, en 1978, y con quien nunca dejará de colaborar.

Reconocimiento internacional

Partiendo de su investigación musical anterior sobre la repetición pura, Reich decidió a partir de 1973 centrarse en el trabajo sobre el ritmo, la pulsación y la noción de "variación tímbrica de superficie". Compuso algunas de sus obras más famosas en las décadas de 1970 y 1980, como Music for 18 Musicians (1976), Eight Lines (1979), The Desert Music (1984) o Different Trains (1988). La mayoría de las composiciones de este período están destinadas a grandes grupos instrumentales. Se introduce entonces un nuevo elemento en la música de Reich: a partir de 1976, vuelve al judaísmo estudiando música ( cantilación ) y textos bíblicos (aprende hebreo ) inicialmente en Nueva York y luego enFebrero de 1977en Jerusalén . Este período constituye un momento de grandes dudas en la carrera como compositor de Steve Reich quien, tras Música para 18 músicos , siente que ha agotado sus fuentes creativas y piensa que no tiene nada más que escribir sin repetirse, a lo que se niega. Entonces se ve seriamente tentado a dejar la música y convertirse en rabino . En definitiva, sus estudios de sus raíces hebreas le llevarán a escribir Tehillim , su primera obra imbuida de la cultura hebrea , que marcará un nuevo punto de inflexión en su estilo de composición y un nuevo ímpetu personal.

De hecho, todo el período de las décadas de 1980 y 1990 estuvo marcado por una importante participación filosófica, religiosa, histórica y política personal en la escritura de sus obras. Reich se aparta así de la investigación puramente formal que caracterizó sus composiciones minimalistas para añadir una dimensión de reflexión y cuestionamiento intelectual. Además, sus creaciones musicales ya no se limitan solo a ser interpretadas por un simple conjunto musical sino que también incorporan, desde la etapa de composición, el aporte de las nuevas tecnologías audiovisuales, en particular el vídeo y la multimedia, que aborda en colaboración con su esposa. Beryl Korot. Las obras destacadas de este período son principalmente composiciones para conjuntos musicales, la serie Counterpoint para diferentes instrumentos y dos importantes óperas multimedia, La cueva (1990) y Tres cuentos (2002), que son, respectivamente, fruto de sus reflexiones sobre el ' Viejo Testamento compartida por las religiones monoteístas y avances tecnológicos en XX th  siglo.

El Lincoln Center de Nueva York presentó una gran retrospectiva de su trabajo en julio de 1999 como parte de su festival de verano. En 2006, con motivo de sus 70 th  celebraciones de cumpleaños se celebró en todo el mundo y especialmente en Nueva York con un ciclo llamado Steve Reich @ 70 , conciertos y retrospectivas en las principales instituciones ciudades musicales como el Carnegie Hall , el Museo Whitney , el Lincoln Center y la Academia de Música de Brooklyn . Steve Reich, que ahora vive en Pound Ridge en el condado de Westchester , al norte de Nueva York, compone las Variaciones de Daniel para estos eventos en su honor , un trabajo encargado en memoria de Daniel Pearl . En esta ocasión, se publica una recopilación de sus principales composiciones bajo el título (americano) de Fases . Una demostración más pequeña del mismo tipo también fue organizado por instituciones musicales en Nueva York, Londres y París en 2011 por su 75 °  aniversario.

Steve Reich ha recibido muchos premios prestigiosos. En 1994 , se convirtió en miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras . Entre los premios internacionales, en 2006 recibió el Praemium Imperiale de música. En 2007 , recibió el prestigioso premio Polar Music Prize (co-receptor con Sonny Rollins ) por “su habilidad única para usar repeticiones, técnicas de canon y variaciones mínimas de patrones para desarrollar todo un universo de música evocadora. Inspirado por diferentes tradiciones musicales, [él] transfirió cuestiones de fe, sociedad y filosofía a una música hipnótica que ha inspirado a músicos y compositores de diversos orígenes ” . Finalmente, después de haber sido tres veces sucesivamente finalista de 2003 a 2005, recibió el Premio Pulitzer 2009 por la música20 de abril de 2009para Doble Sexteto , obra creada en 2008 .

Lenguaje musical

Influencias y obras de la juventud

Al igual que muchos compositores estadounidenses del XX °  siglo , Steve Reich dice que sus influencias musicales fundamentales son las obras de Bach , Debussy , Satie , Ravel , Bartók (incluyendo Mikrokosmos ), Kurt Weill , Stravinsky y el jazz en particular, el bebop y las composiciones de John Coltrane (incluido Africa / Brass ); sin embargo, permanece muy distante hacia el naciente rock and roll que no le interesa. Según él, la influencia de la música impresionista francesa se manifestó inconscientemente en la escritura de las armonías, con una línea de bajo “coloreada” y el registro intermedio apoyando la “estructura”. Steve Reich también reconoce que la otra gran influencia en su música viene del canto firme , melodía Organums de Perotin , compositor de la Escuela de Notre Dame de París, en el XII °  siglo. Este se caracteriza en sus composiciones por el uso del canon "aplicando a cualquier sonido" y el uso de técnicas de aumento a extremos en incrementos distintos de múltiplos de dos. Sin embargo, fue de Bartók, y más particularmente de Mikrokosmos , que Reich derivó la idea de usar el cañón. La estructura de la obra en forma de arco, los movimientos paralelos de cuartos y quintos , así como el uso de modos también provienen del estudio de este compositor.

Las primeras composiciones de Steve Reich están escritas en el estilo de doce tonos que estudiaba en Mills College con Berio, pero en el que ya introdujo el principio de repetición, como con Música para orquesta de cuerdas , para recrear una armonía estática. Para obtener su diploma de graduación, compuso Cuatro Piezas en 1963 para trompeta, saxofón, piano, contrabajo y percusiones que está marcado por una escritura seriada pero haciendo un claro retorno a la modalidad y numerosos préstamos del jazz. Esta última pieza de sus años de estudiante es importante en el sentido de que hizo que Steve Reich se diera cuenta de que, a pesar de sus limitaciones como músico intérprete, tenía que poder tocar todas sus composiciones llegando a la conclusión de que para él:

“Una situación musical saludable resulta solo de la unión de las funciones de compositor y músico en una sola persona. "

Descubrimiento del cambio de fase

Sus primeras obras reales, que datan de mediados de la década de 1960, se basan en el principio de un cambio gradual en la interpretación de motivos musicales, creando nuevos sonidos por fases / fases . A raíz de un accidente técnico con sus grabadoras que perdieron su sincronicidad mientras grababa el discurso de un predicador en San Francisco , tuvo la idea de tocar de forma continua dos loops del mismo sonido, tocar simultáneamente al principio, luego acelerarlos de forma relativa. el uno al otro. Este proceso tiene el efecto de generar nuevas figuras sonoras a partir del mismo material musical. Se utilizó por primera vez en la pieza fundadora It's Gonna Rain en 1965 , luego en Come Out y Melodica en 1966 y luego se adaptó a un primer instrumento, el saxofón , en la pieza Reed Phase en 1967 . Dos años después, este proceso también se aplicó a instrumentos solistas y en vivo, prescindiendo potencialmente de cintas magnéticas y cualquier ayuda mecánica para la ejecución de Piano Phase y Violin Phase compuestas a finales de 1967.

El uso de cambio de fase enfatiza la estructura de las partes. Reich dice explícitamente en su ensayo de 1967 La música como proceso gradual que quiere que el oyente escuche gradualmente el desarrollo del proceso musical. La estructura de las piezas está claramente expuesta, con material musical sumamente sencillo, para que el oyente pueda percibir las pequeñas variaciones introducidas de forma paulatina.

Sin embargo, Reich vio rápidamente los límites de la técnica de cambio de fase y comenzó ya en Violin Phase ( 1967 ) a no centrarse exclusivamente en el resultado bruto del proceso. El compositor luego integra “patrones resultantes” que consisten en la superposición de las diferentes voces creando, de una manera específica y diferente para cada oyente, ilusiones psicoacústicas de percepción de sonidos adicionales. También decide explícitamente el número de veces de cambio de fase y la adición de votos adicionales. La introducción de elecciones estéticas por parte del compositor aleja estas piezas de un estado puro de piezas experimentales, dejando de ser el simple resultado de un proceso de cambio de fase. Sin embargo, Reich ve sus obras de 1965-1971 como piezas radicales, estudios rigurosos de una técnica que estudió obstinadamente.

Con Drumming ( 1971 ), Steve Reich extiende sus técnicas musicales y produce sus últimos refinamientos en el uso del cambio de fase, mientras avanza hacia una música más texturizada y más parecida a una estructura de tipo melodía y acompañamiento. Si el interés por la estructura y el ritmo permanece presente, Drumming se preocupa mucho más por el sonido y la armonía. El compositor también incorpora voces por primera vez . Combina instrumentos de diferente timbre y está interesado en el cambio gradual de timbre, manteniendo el ritmo y los tonos constantes. Reich abandonó el cambio de fase puro en 1972, pero volvió a él ocasionalmente en algunas obras posteriores, como Nagoya Marimbas, que data de 1994.

Hacia un estilo más complejo

La culminación de diez años del trabajo de Reich sobre el minimalismo ve su clímax y una evolución estilística crucial con su ambiciosa pieza, Música para 18 músicos, cuya composición tomó dos años entreMayo de 1974 y Abril de 1976. Esta pieza, de hecho, propone, ya no un minimalismo ascético y teórico basado en un estricto proceso matemático de cambio de fase, sino que desarrolla toda una gama de investigaciones sobre armonía, melodía, ritmo y especialmente pulsación, que constituirán durante los fundamentos de Steve. La escritura de Reich se basa en la "noción de variación tímbrica de la superficie". La pieza está escrita para liberarse de las estrictas estructuras que hasta entonces había utilizado Reich, y ya no busca hacer oír los procesos de construcción musical. Además, la introducción de elementos más ricos hace que el seguimiento del proceso sea más difícil e inútil. Música para 18 músicos marca el interés del compositor por las texturas cada vez más ricas y por trabajar con una amplia variedad de instrumentos. Reich confirma al declarar en 1976 que ya no le interesa la música minimalista en sentido estricto.

En 1981 con la pieza Tehillim y luego en 1984 con The Desert Music , Steve Reich decidió dejar de usar las voces como instrumentos, sino que comenzó a escribir textos reales para que los cantantes los interpretaran. Esto hace que el compositor deba realizar cambios constantes de compases para adaptarlos a los acentos tónicos de las sílabas y, desde un punto de vista armónico, utilizar acordes cromáticamente alterados para adaptarse a la dicción del hebreo . Tehillim es también la primera composición que no utiliza la repetición de motivos musicales cortos, aunque la repetición sigue siendo un componente importante de la obra. Los motivos y sus repeticiones vienen dictados por el texto de los salmos , cuyo significado Steve Reich quiso preservar. El renovado interés de Steve Reich por su cultura y religión judía lo llevó a interesarse por la cantilación , cuyo estudio influye en parte en su forma de componer, especialmente en Octet , pero decide conscientemente ignorar la tradición para la composición de Tehilim .

En este momento, la música de Reich también procedía a menudo recuperando muchos sonidos cotidianos, como anuncios y sonidos de trenes en Different Trains ( 1988 ) o sirenas de emergencia y alarmas de automóviles en City Life ( 1995 ). Reich luego suma a su composición entrevistas a personas realizadas para la ocasión en las que dobla cada discurso con un instrumento de referencia como la viola para voces femeninas y el violonchelo para las de hombres en Different Trains . La "melodía del habla" se convierte entonces en el material musical. El discurso articulado también ocupa un lugar importante, a menudo de forma repetida como en The Cave ( 1990 ), Three Tales ( 2002 ), o más recientemente con WTC 9/11 ( 2011 ) utilizando grabaciones sonoras y testimonios en relación a los ataques. de 11 de septiembre de 2001 . Una forma de canto discontinuo constituye, pues, una parte importante de su obra.

En 2008, probó suerte con el 2 × 5 en el uso formal de un conjunto musical de la escena pop-rock (guitarras, bajo, batería), enfoque que continuó en 2012 con Radio Rewrite , esta vez aquí en el musical escritura inspirada en líneas melódicas tomadas de dos canciones del grupo de pop inglés Radiohead .

A partir de 2015, decidió volver a escribir para conjuntos más grandes, lo que resultó en la creación de dos piezas, Runner (2016) y Music for Ensemble and Orchestra (2018), lo que marcó un regreso a la composición para orquesta. Este proceso continúa con la colaboración artística con el pintor y artista plástico alemán Gerhard Richter para la creación de una obra multimedia (pinturas de Richter, película de Corinna Belz y música de Reich) titulada Reich / Richter (2019).

Recepción y reseñas

En la década de 1960, las primeras obras de Steve Reich se realizaron en galerías de arte, museos o universidades. Reich no se siente cómodo con los serialistas ni con los seguidores de John Cage , pero por otro lado encuentra un oído atento en el mundo del arte contemporáneo y los artistas visuales que frecuenta. La primera actuación pública en una sala de conciertos clásica se organiza con el apoyo de Michael Tilson Thomas y la Orquesta Sinfónica de Boston , la8 de octubre de 1971en Boston , donde Reich, Tilson Thomas y dos miembros de la Orquesta de Boston interpretan Four Organs . El siguiente concierto, en 1973, en el famoso Carnegie Hall de Nueva York , desató un escándalo, siendo los espectadores y la crítica francamente hostiles al carácter hipnótico y repetitivo de la obra.

Fueron las grabaciones del disco las que ayudaron a Steve Reich a desarrollar su reputación, en particular un disco producido por el sello francés Shandar con Four Organs y Phase Patterns . La gira de su conjunto por Europa es también motivo de algunas críticas positivas, como la de Daniel Caux en París en 1971. Los conciertos en Alemania, sin embargo, tienen menos éxito, incluso son recibidos con cierta hostilidad. Las críticas en Estados Unidos son mixtas, a veces hostiles, como las de Donald Henahan del New York Times , o más favorables, como las de Tom Johnson para Village Voice , un influyente periódico de creación alternativa en Nueva York.

El reconocimiento discográfico llegará desde Alemania con la grabación en 1974 en el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon de las piezas Drumming , Six Pianos y Music for Mallet Instruments, Voices, Organ . En 1978, fue la grabación de Música para 18 músicos lo que realmente hizo que la música de Steve Reich fuera conocida internacionalmente y entre una amplia audiencia. Es el sello alemán Edition of Contemporary Music , dedicado al jazz y la música improvisada , el que produjo el disco permitiendo la difusión y descubrimiento de una de sus obras fundamentales a una audiencia mucho mayor que la del anterior . Hasta la fecha, Reich tiene una discografía individual de más de 70 discos separados y una treintena de grabaciones en colaboración principalmente con otros artistas de la corriente minimalista, lo que es bastante notable para un compositor vivo. Además, en los últimos años, los conciertos que muestran sus obras en el programa son relativamente grandes con un promedio de alrededor de 250-300 fechas por año en todo el mundo, lo que demuestra el interés y la amplia difusión de su trabajo al público.

Son los compositores de vanguardia y algunos musicólogos los más hostiles al trabajo de Reich y, más en general, a la música minimalista . Aunque reconociendo un cierto rigor en el enfoque del compositor, ciertos musicólogos califican su música como “música sin pasado ni futuro”, participando de una “regresión de la escucha”. Elliott Carter es uno de los compositores más críticos del uso de la repetición en la música, que equipara a las repeticiones no solicitadas en la publicidad. Por el contrario, el compositor György Ligeti , uno de los compositores más importantes de la XX XX  siglo y muy admirada Reich dice de su música de principios de construcción simples forman una música rica y compleja particularmente elegante y sofisticado.

La influencia de Steve Reich en las creaciones contemporáneas

En musica clasica

Steve Reich fue reconocido por muchos periódicos internacionales como "uno de los compositores más importantes de la XX XX  siglo" ( New York Times ) y "uno de los pocos compositores vivos que legítimamente puede decir que ha cambiado el curso de la historia de la música” ( El Guardián ). Más prosaicamente, la importancia de Steve Reich en la música de finales del XX °  siglo se puede evaluar su impacto en sus contemporáneos. Steve Reich conoció a Philip Glass mientras estudiaba en la Juilliard School . Si bien se les considera las dos grandes figuras de la música minimalista, es difícil notar una gran influencia de uno en la escritura del otro, excepto por su voluntad común y contemporánea al principio. De crear movimiento para usar el principio de repetición, de variación sutil de un patrón y de practicar un retorno a la armonía. En 1968, Philip Glass formó su propio conjunto musical poco después de Steve Reich (quien lo fundó en 1966) pero sin embargo participaría como instrumentista en la creación de las piezas Four Log Drums (1969) y Four Organs (1970) de su amigo antes. se distancian. Por otro lado, las técnicas musicales de Reich, en particular el uso desde 1981 del lenguaje hablado como soporte de la composición, influirán directamente en la obra de Scott Johnson que utilizará las mismas técnicas y de John Adams para sus composiciones más cercanas a la Tradición occidental. De la ópera. También se reconoce que Reich jugó un papel importante en el desarrollo de la música minimalista inglesa debido a su amistad con Michael Nyman y al impacto de sus rigurosos procesos de fases para compositores de música experimental como Christopher Hobbs , Dave Smith y John White . Reich también es citado regularmente por los músicos de jazz como una fuente de influencia o interés, como ocurre con Nik Bärtsch .

Música electrónica y música pop

Además, Steve Reich tuvo una influencia considerable en el mundo del pop . El caso más famoso es el de Brian Eno que descubrió su música a mediados de la década de 1970 durante un concierto en Inglaterra en 1974 y que reconoce que Music for Airports es un "producto de la música de Reich". Debido al vínculo entre Eno y David Bowie al que llevó a un concierto en 1976, este último también se vio influenciado por el aspecto electrónico y las técnicas de Reich que considera "pistas de los tonos del futuro". Finalmente, los principios del muestreo enunciados por Reich a partir de sus primeros trabajos del período 1965-1968 obviamente fueron retomados por artistas de la música electrónica como Jeremy Peyton Jones , Andrew Poppy o el grupo inglés The Orb , lo que llevó a ciertos desarrollos en la música. . tecno de 1990 como lo demuestra el homenaje a Reich por artistas como Chris Hughes con su disco de versiones composiciones minimalistas Shift (1994) o Coldcut , Ken Ishii y DJ Spooky en su álbum de la universidad Reich Remixed que data de 1999 .

Algunos artistas de rock también han sido influenciados por Steve Reich. Lee Ranaldo , guitarrista de Sonic Youth declara haber estado marcado tanto por la música de Reich en la década de 1970 como por todo lo que se hacía en el rock al mismo tiempo. Admite haber encontrado allí admiración e inspiración hasta el día de hoy. Finalmente, más recientemente la revisión de Rolling Stone encontró una fuerte influencia de Music for 18 Musicians en el álbum conceptual Illinois (2005) de Sufjan Stevens .

Danza contemporánea

Más allá de la música, las composiciones de Steve Reich han influido fuertemente en el trabajo de uno de los coreógrafos de danza contemporánea más importantes , la belga Anne Teresa De Keersmaeker . El comienzo de su carrera estará marcado por el descubrimiento de la música de la compositora neoyorquina durante sus estudios en la Tisch School of the Arts durante los cuales escribió su pieza fundacional Fase (1980-1982) declinando con la danza - sobre las obras Piano Fase , fase de violín , salida y música de palmas : el principio de fase / fase del compositor. Durante más de veinticinco años, De Keersmaeker utilizará las composiciones de Reich que, por tanto, se convertirá en "el compañero de viaje y el punto de anclaje" para sus espectáculos entre los más importantes: Fase (1982), Drumming (1998), Rain (2001) ). Reich, muy impresionado por la obra de De Keersmaeker gracias a la cual declara haber descubierto “nuevos planos emocionales y psicológicos en su obra”, compondrá a cambio para ella la pieza Dance Patterns en 2002 que utilizará para escribir contrafrases en 2003. En 2007, creó una velada de homenaje titulada Steve Reich Evening, que abarca todos sus trabajos coreográficos durante 25 años en torno a la música de Reich, destacando su importancia en sus creaciones.

Además, entre 1971 y 1975 Steve Reich trabajó extensamente con la coreógrafa estadounidense Laura Dean, quien escribió una gran cantidad de piezas en sus composiciones, incluidas Drumming (1975), Impact (1985), que les valió un premio Bessie común y Space for the New. Ballet de la ciudad de York (1988). Su música también ha servido como medio para las creaciones de Lucinda Childs , Lar Lubovitch , Jerome Robbins , Eliot Feld y Twyla Tharp .

Obras

Primeras obras inéditas

Obras editadas

Premios y reconocimientos

Él mismo es miembro del jurado del Premio de Composición Tōru Takemitsu en 2008.

Discografía selectiva

Este capítulo no pretende ser exhaustivo de los aproximadamente 140 discos publicados de las obras de Reich, sino enumerar las grabaciones esenciales de la discografía del compositor:

Notas y referencias

  1. "Steve Reich" en Encyclopædia Britannica
  2. Entrevista con Steve Reich en el libreto de Música para 18 músicos grabado por Steve Reich y Músicos en Nonesuch Records , 1997.
  3. Potter (2000) , pp.  231-233
  4. En la década de 1950, compuso bajo el nombre de June Carroll, la canción Love Is a Simple Thing .
  5. Potter (2000) , págs.  151-156 .
  6. escritos sobre música , prefacio de Bérénice Reynaud (1981) .
  7. "  Different Trains  " , en el sitio web de IRCAM .
  8. (en) Gabrielle Zuckerman Entrevista con Steve Reich Un , American Public Media , julio de 2002.
  9. Esta decisión provocará una ruptura en sus relaciones con su padre hasta 1972, cuando apareció un artículo dedicado a Steve Reich en The New York Times . Su padre, reconociendo el éxito de su hijo, reanudará el contacto con él.
  10. "  Steve Reich  " , en el sitio de IRCAM .
  11. Potter (2000) , pp.  156-164
  12. Textos y entrevistas (1997) , pp.  169-174 .
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  15. Potter (2000) , pp.  108-109
  16. Bodon-Clair (2008) , p.  61
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  18. Bodon-Clair (2008) , págs.  9-13
  19. Donde aún reside ( Potter (2000) , p.  170 )
  20. Esta exposición también reunió a familiares del Reich como Richard Serra , Bruce Nauman y Michael Snow.
  21. Reich se reconectó con Philip Glass en 1967, trabajando durante un tiempo en la pequeña empresa de mudanzas, Chelsea Light Moving , creada por este último ( Potter (2000) , p.  171 )
  22. Documental Steve Reich - Un nuevo lenguaje musical , Consejo de las Artes de Gran Bretaña , 1987.
  23. (en) "Ezra Reich habla de música y su padre pionero, Steve Reich" , Los Angeles Times , 2 de abril de 2011.
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Apéndices

Documental

Bibliografía

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