Un libro de artista es una obra de arte que adopta la forma o el espíritu de un libro .
Esta expresión sigue siendo un tanto problemática en la actualidad y su definición en francés, necesariamente plural, implica el estudio de los diferentes significados que la subyacen, que han ido evolucionando a lo largo del tiempo:
Nunca terminan, estas batallas de palabras se refieren a la evolución misma de las artes y, formalmente, del libro. Esta rica y compleja evolución está vinculada, por supuesto, al mercado del arte , a los bibliófilos , a la evolución de las técnicas de impresión , a los métodos de producción, a los distintos puntos de vista privados o institucionales que encuentran expresión y, sobre todo, a lo que se entiende por artista y libro : aren ¿No se reconoce también al editor, al poeta, al propio diseñador gráfico como productores de formas? Si finalmente nos colocamos del lado del objeto “libro”, ¿debería adoptar sistemáticamente la forma del cuaderno encuadernado? Aquí podemos ver claramente que si reducimos la palabra artista a la de pintor y la palabra libro al objeto que contiene la obra de un escritor, el alcance del libro de artista se reduce repentinamente.
Los orígenes del libro de artista están necesariamente ligados a la historia de la escritura, la pintura, la imprenta (texto e imagen) y, por tanto, a la evolución del “objeto libro” como tal. El libro de artista toma prestadas diversas formas y presentaciones espaciales conocidas desde la Antigüedad ( volumen ) y la Edad Media ( códice ). Ciertos manuscritos occidentales, con sus miniaturas -por el principio de organización de los vínculos entre el texto y la imagen-, pueden verse como los precursores de los libros de artista de la era moderna.
En Europa, la tradición de la imprenta, desde su invención por Johannes Gutenberg hasta la actualidad, representa otra fuente del libro de artista . Así, un ejemplo (quizás uno de los más espléndidos) del libro que combina las formas de presentación es La Prose du Transsibérien (1913) de Sonia Delaunay y Blaise Cendrars . Se trata de una cinta de dos metros, formada por cuatro láminas encoladas y diseñada a modo de tríptico a la manera china. Otro hito histórico fue la creación del libro Parallel de Pierre Bonnard y Paul Verlaine , publicado por Ambroise Vollard en 1900. Desde entonces, el libro de artista ha sido considerado como un género de artes gráficas y plásticas utilizando el medio del libro.
Por otro lado, también hay que tener en cuenta la evolución de los estatutos del artista, el escritor y el editor, a través del concepto de "auctorialidad": el libro de artista es, en definitiva, un dispositivo que se configura paulatinamente a lo largo del siglo XIX. º siglo. Aquí están las etapas principales:
Uno de los primeros libros íntegramente imaginado, concebido y producido al margen de un sistema vinculado en ese momento al privilegio de la publicación que regulaba y limitaba la impresión, es la colección de poemas Songs of Innocence and of Experience producido por William Blake en un pocos ejemplares, precedidos en 1788 por Todas las religiones son una , obras diseñadas con la ayuda de su esposa Catalina. Con esta serie de libros iluminados (nueve colecciones principales), Blake se muestra como un creador multidisciplinar: poeta y pintor, grabador, impresor y editor. Formatea sus textos y sus grabados según una técnica que le es propia, cercana al aguafuerte , organizando en la misma plancha de cobre las relaciones entre texto e imágenes que primero trabajó con ácido, luego, una vez impresa, se retocó la hoja con acuarela, lo que finalmente hizo que cada copia sea única. L'on s'inscrit là dans la longue tradition qui remonte aux livres enluminés du Moyen Âge comme Les Très Riches Heures du duc de Berry , sauf que Blake monte ici une petite unité de production mécanique parfaitement autonome, n'obéissant pas à un travail de encargo.
Según Yann Sordet, la pasión de los coleccionistas de libros aumenta a medida que se ilustran. Este movimiento se origina a finales del XVIII ° siglo , al menos en Francia. Citemos esta edición de Contes et nouvelles en vers de La Fontaine ilustrada por Fragonard (1762) o posterior, la de Caprichos de Goya (c. 1799), o este Fausto de Goethe ilustrado por Eugène Delacroix (1828), obras extremadamente raras. (precursores del libro de artista ) que el coleccionista Henri Beraldi consideraba las primeras joyas del libro ilustrado moderno .
En medio de la XIX ª siglo , surgió la idea de combinar un artista-escritor y poeta, en el espíritu de un bibliófilo menos lujoso (o "burguesa"), por lo tanto más accesible. Debemos estos primeros intentos a editores como Alphonse Lemerre (asociado a Philippe Burty ), Richard Lesclide y Auguste Poulet-Malassis , al menos en Francia. El nombre "libro del pintor" se utiliza entonces para calificar estas producciones.
Alrededor de 1875, paralelamente a las experiencias británicas del movimiento Arts & Crafts que abogaba por el desarrollo de pequeñas unidades de producción independientes ( gremios ), surgió en Francia una nueva escuela de bibliófilia que rediseñó el libro a la luz de una colaboración más estrecha con los pintores. Estos libros, cuya producción tropezó durante mucho tiempo con problemas técnicos de carácter reprográfico, se vendieron por suscripción y algunos experimentos fracasaron desde el punto de vista comercial. Pero siempre involucraron a un editor, un escritor -o un texto- y un artista para plasmarlo en una imagen. Por ejemplo, Le voyage d'Urien (1893) se considera a menudo como una de las primeras obras de la colaboración entre el autor y el artista ( André Gide y Maurice Denis ). Pocos de los artistas se embarcan entonces en una operación editorial completa y completa por su cuenta: citemos, por ejemplo, a Paul Gauguin quien, a partir de grabados en madera, produjo él mismo algunas copias, colección y reseña. Fue en la década de 1960 cuando algunos artistas heredaron esta forma de trabajar con los libros, entre ellos: Bertrand Dorny , Alain de La Bourdonnaye (en Francia), pero también Dietrich Lusici (en Alemania).
Los años 1900-1930 designan el período importante para el libro de artista. Así, Walter-John Strachan cita los nombres de los artistas, los que fueron los pioneros de este género durante este período: Pablo Picasso , Georges Braque , Juan Gris , Pierre Bonnard , Auguste Rodin , Maurice Denis , Émile Bernard , Pierre Laprade , Raoul. Dufy , Aristide Maillol , Georges Rouault , André Derain , Marc Chagall , André Dunoyer de Segonzac , Odilon Redon ...
En los últimos años de la Belle Époque , algunos artistas optaron por repensar el medio del “libro”. Citemos a Marinetti cuyos escritos teóricos conducirán a principios de los años 1930 a la concepción de libros futuristas , imaginados y concebidos por artistas italianos que convocaron materiales insólitos; citemos también las experiencias constructivistas con, en particular , Rodtchenko , Olga Rozanova o Alexeï Remizov . Por ejemplo, Ilia Zdanevich (Iliazd), al regresar a París en 1921, comienza a producir los libros con el zaoum tipográfico . Estas experiencias ayudaron a revolucionar las artes gráficas , a repensar la tipografía , la encuadernación , los formatos y arreglos texto-imagen y, básicamente, a sacudir los estándares de presentación del objeto libro.
Muy diferente fue el planteamiento de Marcel Duchamp : mucho antes de adherirse al dadaísmo a través de Man Ray y Francis Picabia , imaginó en 1913 recopilar reproducciones de sus escritos y sus dibujos en una caja, lo que hizo en 1914 Este gesto fundacional dio a luz más tarde al concepto de caja surrealista , que un movimiento como Fluxus sistematizó a finales de los años cincuenta.
Finalmente, durante los años 1930-1950, los límites entre editor, artista y escritor se vuelven aún más difusos con las experiencias de un Georges Hugnet o un Pierre-André Benoit : aquí el editor es visto como un artista, el artista elige ser un artista. editor y más. ¿Quién, el autor, el artista, el editor tiene la parte decisiva que da su singularidad al objeto? No hay una respuesta inequívoca a esta pregunta, que permanece abierta.
Las vanguardias surgidas a partir de 1945 en Estados Unidos, Europa, Brasil o Japón influyeron decisivamente en el planteamiento conceptual del libro. Desde un punto de vista teórico, un escrito tan importante como La obra de arte en el momento de su reproducibilidad técnica de Walter Benjamin no se distribuyó hasta mediados de la década de 1950. Pero la idea de que se puede hacer arte en serie, que la unicidad no condicionar el estatus de una obra, y que finalmente podemos atribuir a un objeto producido en varias copias una notable dimensión estética, ya estaba en germen en muchos artistas mucho antes de la guerra: el dadaísmo y el surrealismo no fueron los últimos en sacudir la relación entre libro y artista, en particular al apoderarse del libro y producir una gran cantidad de obras. Finalmente, la invención del ready-made contribuyó en gran medida a profanar el estatus de una obra de arte: Duchamp se había comprometido, ya en la década de 1930, a producir "copias certificadas" de sus readymades, desviando los procesos de fabricación de los llamados ready-made. objetos.
Después de la guerra, el medio del libro fue de particular interés para los fundadores del movimiento Cobra del norte de Europa , por ejemplo, y el pintor Alechinsky sigue siendo uno de los artistas más prolíficos en términos de libros. Uno de sus miembros, Asger Jorn , incorporándose a la Internacional Situacionista , produjo en 1959 con Guy Debord una obra titulada Mémoires , en forma de una desviación del concepto de libro de pintor , con tapa de papel de lija . Mientras tanto, el movimiento letrista se centró especialmente en el libro como campo experimental. El artista belga Marcel Broodthaers y sus objetos encontrados, el brasileño Augusto de Campos y sus poemas concretos , el intérprete japonés Jirō Yoshihara del movimiento Gutai y su caligrafía minimalista sobre múltiples soportes, contribuyeron a repensar el medio del libro y su relación con el gesto artístico. . Teorizado por el arquitecto formado en la Bauhaus , el suizo Max Bill , el arte concreto tuvo una influencia decisiva en un artista como Dieter Roth : conoció a Daniel Spoerri en 1954 y luego comenzó a hacer libros en 1957 en Islandia , no únicos, sino en varios ejemplares, creando su propia editorial: Forlag ed . En 1959, Spoerri también creó una editorial, Éditions MAT , produciendo lo que él llamó múltiplos , invitando también a su amigo Roth como parte de esta estructura.
Estrechamente vinculado a Duchamp, John Cage abrió de 1957 a 1959 en la New School de Nueva York, una serie de seminarios de los que surgieron la mayoría de los artistas del movimiento Fluxus . A partir de 1958, George Brecht produjo cajas, a veces divertidas diversiones de juegos mentales o "rompecabezas", acompañadas de pequeños textos impresos en tarjetas de cartón y objetos cotidianos (monedas, conchas, perlas, etc.). George Maciunas , Joseph Beuys , Yoko Ono , Emmett Williams , Nam June Paik , Ben , Ken Friedman y otros también produjeron este tipo de objeto, en conjunto con los defensores del Nuevo Realismo .
La década de 1960 estuvo marcada por la producción de un gran número de libros firmados por artistas de la época, entre ellos La Liberté des mers (París, Adrien Maeght, 1960, litografías de Georges Braque , poemas de Pierre Reverdy ), Poèmes et bois (París, Degré quarante et un, 1961, poemas y grabados de Raoul Hausmann , tipografía de Iliazd ), Thésée de Abram Krol (París, Krol, 1963, xilografías y grabado de Abram Krol, con texto de André Gide ), Un suspçon (París, Degré quarante et un, 1965, grabados de Michel Guino , poemas de Paul Éluard ), Meccano (Milán, Tosi y Bellasich, 1966, grabados de Enrico Baj , texto de Raymond Queneau ), Cerceaux sorcellent (Basilea, Beyeler y París, Bucher, 1967 , litografías de Jean Dubuffet , texto de Max Loreau ), L'Inhabité (París, Hugues, 1967, grabados en cobre de Alberto Giacometti , poemas de André du Bouchet ), o todavía Le Chien de cœur (París, GLM, 1969, litografía de Joan Miró , poemas de René Char ) ... Estos libros son caracterizado por una considerable labor plástica de los artistas, una realización que llevó varios años, porque los preparativos habían requerido muchos estudios y dibujos, y porque era necesario realizar diferentes estados de grabados. Las copias fueron limitadas debido a la producción artística, cuya calidad fue asegurada por la contribución de tipógrafos y editores innovadores como Guy Lévis Mano , Iliazd o Adrien Maeght …
Al mismo tiempo, artistas como Art & Language (con: Art-Language The Journal of conceptual art ), Edward Ruscha , Jan Dibbets , Christian Boltanski o Marcel Broodthaers , intentan utilizar el libro para presentar lo textual y visual de un forma experimental. Pero la realización de estos libros estaba en conflicto con el libro de artista como hemos escuchado desde el comienzo del XX ° siglo, ha publicado un gran número de copias en papel normal, estos libros se rompieron los acuerdos relacionados con las prácticas de bibliófilos y el mercado de la impresión. Sin numerar y sin firmar, están hasta cierto punto en el linaje del arte pop que secuestró los dispositivos de la producción industrial evitándolos con sus propias producciones realizadas en grandes cantidades.
Es importante volver al primer "libro" producido por Ed Ruscha. “En 1963 apareció un librito extraño, indefinible a pesar de su apariencia familiar, titulado Twentysix Gasoline Stations . Reúne veintiséis reproducciones fotográficas en blanco y negro de estaciones de servicio en el oeste de los Estados Unidos, con sólo breves leyendas de texto. Firmado por el pintor californiano Edward Ruscha y editado por él, es un ejemplo de un nuevo género en las artes visuales, el libro de artista. Rompiendo con la tradición bibliófila del "libro ilustrado" o "libro de pintor", hecho a mano y en el que un artista asocia sus grabados con el texto de un escritor, el libro de artista tiene como único autor a un artista, que opta por realizar una obra en la forma del libro moderno. Por tanto, el libro de artista se presenta como un libro de apariencia ordinaria, de formato modesto, impreso con técnicas contemporáneas como el offset, en una edición mayoritariamente irrestricta. » Notas Anne Moeglin-Delcroix. Por tanto, lo que importa aquí no es la calidad de la impresión, el papel, la técnica del grabado, sino la intervención directa del artista en el diseño del libro. Estos libros de "estilo americano", a veces clasificados peyorativamente como "álbumes de fotos", a veces se consideraban un pequeño episodio en la historia del libro de artista.
Desde la década de 1960, estos libros no han sido más que “álbumes de fotos” y pueden tomar otras formas que la fotografía. Una vez más, Edward Ruscha inició otros tipos de libros de artistas de "estilo americano" incluso mucho después de la década de 1960, como They Called Her Styrene, Etc. publicado en 2000 con ediciones Phaidon . Este libro es un pequeño objeto que cabe en cualquier biblioteca, mide 12,3 x 18,5 centímetros y contiene algo más de 550 ilustraciones que son obras sobre las palabras de Edward Ruscha . El libro no tiene una trama particular, sino que caracteriza el alcance artístico y la identidad del artista, las palabras se suceden una tras otra. Aquí no hay foto, no hay pintura subtitulada, solo una acumulación de dibujos y pinturas que representan palabras, sin ningún texto explicativo.
El libro de artista se ha convertido desde la década de 1970 en un género y un modo de expresión y no solo estadounidense: cada año surgen muchos títulos, publicados ya sea a través de editoriales especializadas, centros o instituciones de arte, o directamente por los propios artistas por cuenta propia. Si bien es difícil definir el estado de la producción artística actual, sin embargo, está extremadamente viva, favorecida por supuesto por las nuevas técnicas de impresión digital y la autoedición . Numerosos eventos y exposiciones dan testimonio de esta producción. El espectáculo FIAC incluso abrió una sección para este tipo de producción en la década de 2000. También hay reediciones ( reimpresión ) de producciones famosas, tales como los de Richard Long , Lawrence Weiner , Herman de Vries , Peter Downsbrough , Germano Celant, etc.
La producción de Helmut Newton , SUMO , publicada por primera vez en 1999 por el artista y su esposa June Newton, fue revisada y reeditada por este último y ediciones TASCHEN en febrero de 2018. Este libro es un récord desde varias perspectivas: pesa 35,4 kilos, ha un soporte único diseñado por el diseñador Philippe Starck y que se vende por 15.000 € el libro. Sin embargo, publicado en 10,000 copias, el trabajo se agotó rápidamente después de su lanzamiento, lo que tuvo el efecto de aumentar inmediatamente su valor. Ahora se pueden encontrar copias de SUMO en grandes colecciones de libros de arte y de artistas de todo el mundo. La "copia mítica n o 1" firmado por más de cien celebridades representado en el libro, se subastó en Berlín en 2000 y ha alcanzado el precio de 317.000 €, lo que le valió batió récord para el libro más caro publicado en el XX ° siglo . Tras este éxito, las ediciones de TASCHEN y June Newton vuelven con un ejemplar más accesible en formato y precio, en particular para llegar a un público más amplio. Aunque el precio de 100 € sigue siendo un coste bastante elevado para un lector general, el libro ahora tiene un formato de 26,7 x 37,4 centímetros y siempre se suministra con un soporte para facilitar la manipulación del libro.
Muy arraigada en una tradición modernista nacida a finales del siglo XX, la “edición de la creación” encontró una nueva vida en los años 80 , a veces apoyada por artistas, poetas, investigadores e instituciones. Son ante todo los poetas quienes encuentran en el libro del artista un espacio para compartir con los artistas plásticos , creando de hecho un lugar de encuentro privilegiado: “Para colaborar, los pintores y los poetas quieren ser libres. La dependencia baja, impide comprender y amar ”, escribe Paul Éluard. Así, autores como Michel Butor , Andrée Chédid , Jacques Kober , Michel Déon , René Pons o Bernard Noël (que él mismo realizó ilustraciones), por nombrar algunos, han colaborado con pintores o grabadores en la producción de un gran número de libros de artista. . Fue entonces cuando se fundaron las editoriales gestionadas por los propios artistas, por ejemplo: Onciale Sergent Fulbert de Jean-Jacques Sergent , Parole gravée d ' Alain Bar , Atelier Tanguy Garric [3] , Imprimerie d'Alsace-Lozière de Bernard Gabriel Lafabrie ...
Al principio del XXI ° siglo , la investigación de algunos artistas - como las búsquedas que se basan en el trabajo experimental llevado a cabo por el grupo artístico Esfinge de blanco en el libro de artista del Laboratorio - mostrar una aproximación crítica renovada y herramientas para la creación y el análisis de un artista de libro. Además, la revolución digital, por supuesto, ha sacudido la noción de bibliofilia y el mercado del arte. El artista no solo concibe el libro y lo escribe (y ya no solo con palabras) sino que lo produce y distribuye a través de Internet, además de un circuito de librerías o lugares especializados. Las nociones anglosajonas de prensa libre y pequeña prensa se unen en Francia a la de la publicación independiente , que proporciona al libro de un artista un territorio de posibilidades. En definitiva, el libro de artista sigue siendo un espacio de libertad para los creadores, sean quienes sean.
Instituciones públicas en FranciaNo es exclusivo de Francia (cf. el papel pionero del ICA en Londres), las ayudas públicas permiten promover los libros de artista, crear colecciones de búsqueda, financiar investigaciones e incluso creaciones y eventos. Estos centros constituyen reservas ricas en libros de artista y no solo en francés. Pongamos como ejemplo:
Los talleres y centros asociativos de arte contemporáneo, más o menos apoyados por instituciones locales, abren lugares especialmente dedicados a los libros de artista y también se encargan de organizar eventos recurrentes:
El arte y los libros han alimentado una importante producción en Bélgica durante casi dos siglos . Dos instituciones están particularmente abiertas a los libros de artista: el Museo Real de Mariemont y la Biblioteca Real de Bélgica .
La ciudad de Bruselas tiene una biblioteca privada dedicada a los libros de artista (Bibart) y una muestra organizada por un coleccionista, "Histoires de livres". Cerca de Bruselas también hay una biblioteca del Museo del Reluire et des Arts du livre, Wittockiana, con una prestigiosa colección de libros de artista y encuadernaciones.
El libro de artista tiende a afirmarse como un medio de expresión multidisciplinario por derecho propio. En el libro de artista se utilizan muchas técnicas plásticas (artes gráficas, pintura, fotografía, escultura, collage, etc.). Allí se expresan todas las formas y varios campos de la escritura (imagen, poema, notas, textos científicos, etc.). Vemos así el surgimiento de poeta-artistas que conciben el libro como un lugar de arte total donde la libertad de forma se encuentra con la de expresión.
El libro de artista es un documento "genético" que corresponde a esta obra. El interés de seguir el camino genético de la creación de libros de artista está surgiendo en los siguientes campos: