Auto retrato

Un autorretrato es una representación pictórica de una persona por sí misma, dibujo , pintura , grabado , escultura , y desde la segunda mitad del XIX °  siglo, la fotografía .

Aunque la práctica de las artes visuales ha estado en curso desde los tiempos más remotos, es en Europa que el autorretrato apareció como una forma de arte y sólo desde el final del XIV °  siglo: en primer lugar de acuerdo con el método del camafeo (inserción de el retrato en composiciones de grandes formatos) y luego, al final del XV °  siglo, así que esta vez completamente independiente.

El autorretrato surge principalmente por dos factores. El primero, de carácter técnico, es el desarrollo del mirroring , que permite a un mayor número de individuos descubrir la apariencia de sus rostros; el segundo, de carácter antropológico , se refiere al cambio de estatus social del creador de imágenes que, de artesano anónimo y servidor de la Iglesia que era, se transforma en pocos años en un artista cortejado por los poderosos y que en última instancia, considera legítimo representarse a sí mismo como el "sujeto" del cuadro.

A medida que la sociedad occidental se seculariza y democratiza , y en consecuencia se generaliza el sentimiento de ser un individuo singular, el autorretrato evoluciona al mismo tiempo que en cada época se presenta en aspectos muy diferentes.

Por tanto, podemos analizarlo de dos formas distintas y complementarias:
- por un lado, un enfoque tipológico , que se refiere a la forma en que “el retrato” pretende exponerse a la mirada de los demás y la forma en que “ el retratista »Lo toma;
- por otro lado un enfoque cronológico , que en esta ocasión concierne a la evolución del género desde su aparición hasta la actualidad, esto en correlación con la evolución de la propia sociedad.

A diferencia de todos los demás géneros artísticos, el autorretrato tiene la peculiaridad de que la persona que produce la obra ("el creador "), la persona a la que representa ("el sujeto") y la persona que la inicia ("el Patrocinador "). son uno y el mismo. Con el advenimiento de las redes sociales y autofoto a principios de XXI °  siglo, una cuarta "miembro" se injerta en esta trinidad "difusor".

Por tanto, más que ningún otro género, el autorretrato informa al espectador de la forma en que la vida pública y privada interactúan a lo largo de las edades, al mismo tiempo que le cuestiona sobre su propio estatus y el de la práctica artística por derecho propio. .Juntos. Por tanto, es un material valioso no solo para los historiadores del arte sino también para los psicólogos y sociólogos .

Del origen a la evolución de un género

Las artes visuales han estado en curso desde los tiempos más remotos, pero es sin embargo, sólo a partir del final del XIV °  siglo, que podemos designar el autorretrato como una forma de arte en sí.

Dos razones principales explican la naturaleza tardía de este brote:

Característico de la cultura occidental , la práctica de la auto-retrato apenas se extiende la del retrato - de nuevo como un género - siendo este último se define como la representación de un personaje que realmente existió (una práctica que se utilizó en la antigüedad). Sino que había sido abandonada a lo largo de las Edad Media  , de ahí el término "  renacimiento  ", asociado con el XV °  siglo).

Origen

En la Edad Media , de hecho, la sociedad occidental está conformado en su totalidad por el cristianismo , ya que se convirtió en la religión del estado al final del Imperio Romano en el IV °  siglo, bajo el emperador Constantino , después de que éste se convierte en ella. Y durante diez siglos, las imágenes que ilustran los salterios, pero sobre todo -más tarde- las vidrieras, los mosaicos, los frescos y los retablos que pueblan las iglesias y las catedrales tienen como función primordial contar historias  ; más exactamente para relatar las historias que marcan el libro de referencia por excelencia: la Biblia . Y a pesar de diversos momentos particularmente críticos, particularmente durante el período de la iconoclastia , el VIII º y IX th  siglos, de acuerdo con las imágenes permanecerán sin cambios: el mensaje de un gran libro a las personas analfabetas. Todas estas imágenes son, por tanto , documentos , en el primer sentido del término ( doceo en latín significa enseñar ). Et les artisans qui les réalisent n'ont d'autre préoccupation que de restituer fidèlement ( fides signifie foi ) le sens des récits bibliques, la question de la ressemblance avec les protagonistes de la Bible ne se posant pas puisque ceux-ci sont morts depuis mucho tiempo. Las imágenes, en general, tienen por tanto un valor conmemorativo  : todas hacen referencia a un pasado pasado pero que todos sienten la necesidad de mantener el presente .

Sin embargo, a fines de la Edad Media ocurrieron varios hechos que modificaron profundamente la relación con el tiempo: la noción de tiempo presente ganada en las mentalidades: el “arte” se convirtió en “moderno”, en el sentido en que la palabra latina modernus se traduce como reciente o reciente. actual . Este proceso es complejo y, precisamente, se extiende en el tiempo. Sin embargo, podemos retener dos eventos significativos, consecutivos y con efectos convergentes:

Aunque aparentemente sin relación, estos dos eventos están relacionados porque la nueva forma de pintar, introducida por Giotto, experimentará un éxito profundo y duradero con la burguesía: de hecho, ilustra su forma de pensar. Porque, para poder comerciar libremente, es importante estar abierto al mundo , incluso si eso significa dejar de lado las preocupaciones religiosas. Por lo tanto, cuando se realizan las primeras pinturas de paisajes en el XIV °  siglo, el gobierno de la ciudad de Siena , Ambrogio Lorenzetti se basa "en los valores civiles, laico (...) y no sólo en los valores religiosos y eclesiales. Los medallones de abajo celebran no la teología, sino las nuevas ciencias. Así, este hombre no solo es el primer paisajista, sino también el fundador del laicismo en la pintura ” .

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Aparición

Estos diferentes cambios se están produciendo en el marco de un proceso calificado de secularización  : las referencias a la trascendencia (Dios, alma, religión, etc.) pasan paulatinamente a un segundo plano a las consideraciones materiales .

Disimuladamente, los creadores de imágenes se liberaron de la autoridad eclesial, comenzando por el propio marco religioso, cuando los arquitectos de las catedrales insertaron sus bustos, como Peter Parler , hacia 1380, en el triforio de la Catedral de Saint Guy en Praga. Este es también el caso, alrededor de 1398-1399, del frescoista sienés Cola Petruccioli cuando, en la basílica de Santo Domingo en Perugia, se representa a sí mismo en un cuatrifolio , aparentemente sosteniendo en su mano un cubo de pintura y un pincel: una forma de identificarse claramente como "pintor de lugares" o, simplemente, "pintor orgulloso de su actividad".

Adquieren cierta independencia intelectual y moral, afirman su personalidad, su " yo ", sintiendo el sentimiento de lo que los distingue, los diferencia de los demás, los hace individuos ... de simples artesanos anónimos al servicio de la Iglesia, se convertirán en artistas en el pleno sentido del término, firmando sus obras con sus nombres y luego, finalmente, representándose allí.

Entonces se puede observar un efecto, de carácter estético pero directamente ligado a la transformación de la sociedad. A medida que la burguesía emergente toma una parte cada vez mayor en el mismo (a fuerza de enriquecerse desde el comercio y la banca ) y, ya que toma el relevo de la Iglesia en materia de patrocinio , los artistas que entran a su servicio temprano XV °  siglo adoptar un realista estética, en línea directa con el "mundo sensible" y no con el de las ideas religiosas. Un siglo antes, el italiano Giotto había iniciado esta transición, pero entonces estaba operando empíricamente; los artistas del primer Quattrocento , por su parte, desarrollaron nuevas técnicas durante la década de 1420, para aumentar el grado de realismo: el sistema de perspectiva lineal en Toscana y la pintura al óleo en Flandes.

Sin embargo, la auto-representación no se hace sin transición: ya sea en Toscana como en Flandes, los pintores de la primera mitad del XV °  siglo no se desarrollan inmediatamente autorretrato sí como tales, es decir, es decir, que constituyen el objeto de la obra por derecho propio, de manera exclusiva, bajo el modelo del retrato del busto: cuando llegan a representar sus rostros, es de hecho primero en forma de detalle en cuadros de gran formato o frescos y narración de historias. Esta inserción tiene valor de firma, exactamente como ciertos escultores de finales del siglo anterior insertaron sus bustos en un determinado lugar de la catedral. Esta tradición continuará durante el resto del siglo (y la encontraremos mucho más adelante, en la historia del cine, a través del cameo ).

A menudo se argumenta que El hombre del turbante rojo del flamenco Van Eyck , en 1436, fue el primer autorretrato, pero esto no se ha demostrado. La aparición del retrato autónomo como género , en esta época, luego la del autorretrato autónomo, en la década de 1480 ( Filippino Lippi en Italia, Albrecht Dürer en Alemania), sin embargo, constituye una de las principales características de esta transformación de la sociedad que está llegando a Europa Occidental y a la que se hará referencia más adelante con el término "  humanismo  ".

El antropólogo David Le Breton analiza este proceso:

"Ese es el XV °  siglo que el retrato individual se convierte en mucho una de las primeras fuentes de inspiración de la pintura, golpeando en unas pocas décadas la tendencia previamente establecida de no representar el individuo sin tener que recurrir a la figuración religiosa. El surgimiento del cristianismo corresponde al del hombre mismo. El retrato no se ve como un signo, una mirada; sino como una realidad que se apodera de la persona. En la Alta Edad Media, solo los altos dignatarios de la Iglesia o del Reino dejaron retratos de sus personas (…). (A partir de ahora), el retrato individual, desprendido de cualquier referencia religiosa, despega en la pintura tanto en Florencia o Venecia como en Flandes o Alemania. El retrato se convierte en pintura por sí solo, sustentando un recuerdo, una celebración personal sin ninguna otra justificación. La preocupación por el retrato, y por tanto principalmente por el rostro, cobrará una importancia creciente a lo largo de los siglos. "

El filósofo Bernard Legros analiza este proceso de individuación:

“Por supuesto, los individuos se destacan en cualquier sociedad humana. Pero dentro de las sociedades fundadas en el principio jerárquico, conocido como aristocrático , la singularización de cada individuo generalmente se oculta: cada uno está obligado a ajustarse a lo que es, está inclinado a comportarse de acuerdo con afiliaciones consideradas naturales y esenciales. (…) La singularización democrática , en cambio, no está reservada para personas que destacan de manera excepcional para bien o para mal. Sugiere una fusión de lo universal y lo singular. El hombre moderno surge cuando la singularización parece revelar al ser humano. "

A medida que los artistas adquieren este nuevo saber hacer, sus personalidades solo pueden transformarse más: plenamente "  reconocidas  " socialmente, porque se les llama por su capacidad técnica para representar al mundo y a los demás de una manera realista, sienten la legitimidad de ser. representarse a sí mismos. Así nació y luego se generalizó la práctica del autorretrato, cuya originalidad reside en el hecho de que el retratista y el retratista son una misma persona y que, aunque la imagen puede adquirir un aspecto realista, no lo hace. Sin embargo, constituye para el artista un ejercicio de confrontación con su propia interioridad.

Debido al ascenso de su estatus social , algunos artistas pronto actuarán no solo en compañía de sus monarcas sino frente a ellos, en primer plano. Así Vasari , en la década de 1560, antes de Cosme de Medici , y aún más Velásquez , un siglo después en Les Ménines , relegando al rey y la reina de España al fondo de una habitación, diminuta y vagamente perceptible en un pequeño espejo.

Evolución

La práctica del autorretrato evoluciona considerablemente a medida que la sociedad se democratiza y la figura del individuo se afirma.

Evolución del retrato
Al final del XV °  siglo, Alberto Durero hace que los primeros autorretratos fechados y firmados conocido adopción de un marco que se convertirá en un estándar: la representación del busto. Autorretrato con un cardo , 1493, Louvre, París 
En el XVII °  siglo, una serie de pintores utilizan sus conocimientos técnicos para desarrollar actuaciones más o menos inusuales. En 1646, el austriaco Johannes Gumpp se representó a sí mismo visto de espaldas, mirando su reflejo en un espejo mientras se imaginaba a sí mismo en un lienzo. 
Con el tiempo, los artistas son cada vez más críticos con la práctica del autorretrato, multiplicando la mise en abyme , como se ríe Honore Daumier aquí en una litografía de 1848, Un francés pintado por él, incluso .
París, Biblioteca Nacional de Francia 
La invención de la fotografía en el XIX °  siglo y el desarrollo de las industria digital lleva a la pregunta: "¿cómo una autofoto que es un autorretrato? Selfie de una persona anónima (abajo a la derecha), tomada en 2016 en Brasil, en presencia de John Kerry , Secretario de Estado de los Estados Unidos , frente a una multitud. 

Enfoque tipológico

La gran mayoría de autorretratos se realizan sobre el mismo modelo: encuadre del busto (rostro, cuello y hombros), como será el modelo de fotografía de identidad más adelante  ; desprendimiento de la figura sobre un fondo neutro (decoración monocromática o refinada); posicionamiento del artista en tres cuartas partes, traduciendo el "compartir" entre el espejo (su mirada) y su lienzo (su cuerpo), es decir, entre él y "el otro".

Sin embargo, un cierto número de artistas adoptan muy temprano modalidades singulares, partiendo de este estereotipo, bien en el marco de un enfoque introspectivo (este es en particular el caso de Rembrandt y van Gogh ), o con el fin de agudizar las cualidades reflexivas de el espectador e iniciar una especie de diálogo con él (por ejemplo con Giorgio de Chirico , Dick Ket o Felix Nussbaum ); La línea de demarcación entre estos dos tipos de posturas es a menudo difícil de establecer, y un gran número de artistas se involucran simultáneamente en estas dos formas.

En cuanto al retrato, la tipología del autorretrato se puede establecer en al menos dos tipos de polaridades:

Esta doble polaridad, sin embargo, opera de una manera más compleja que en el retrato, en la medida en que el retratista y el retratista son una sola persona. Por eso adoptaremos aquí la tipología basada en la segunda polaridad (retratista / retratista); entendiéndose que, en la práctica, parámetros fácilmente diferenciables entre sí en teoría están en constante interacción y forman un todo: la experiencia vivida .

El retrato

Siendo el artista su propio modelo, tiene especial cuidado en la puesta en escena.

Postura

La postura que surge con más frecuencia en el autorretrato es la iniciada por van Eyck en 1434 con su retrato El hombre del turbante rojo (a menudo considerado además como un autorretrato): representación del busto (rostro, cuello, hombros), el cuerpo se muestra en tres cuartas partes (porque el artista se vuelve hacia su obra) pero la mirada (ya veces todo el rostro) de frente, (porque el pintor se observa en un espejo y, en consecuencia, da la impresión de que su representación "mira" a el espectador). Sin embargo, con el tiempo, el autorretrato adoptará posturas nuevas y más singulares para expresar aspectos más sutiles de su personalidad.

Durante la primera mitad del XVII °  siglo, cuando el tema de "el artista en su estudio" ya ha sido probada, se observa en los Países Bajos una tendencia a la relajación: Judith Leyster , por ejemplo, muestra recurriendo -cara redonda, como si fuera interrumpiendo su trabajo para conversar con el espectador. Al mismo tiempo, Artemisia Gentileschi, en cambio, aparece completamente absorta, alejándose del espectador, con el cuerpo completamente estirado hacia un cuadro que está en proceso de realizar. En el XVIII °  siglo, cuando la práctica teatral está muy extendida, Joseph Ducreux imagina hechos repetidamente, vestido y mostrando diferentes gestos y mímica, como lo haría un actor.

Al final de la Ilustración, aparecen los primeros signos del romanticismo y la figura del artista como un hombre totalmente absorto en su inspiración. La teatralización alcanza su punto máximo: el inglés Füssli mira fijamente al espectador mientras nota su diferencia con el hecho de que está acostado sobre su escritorio (dibujo realizado hacia 1777-1778; National Gallery, Londres). Louis Janmot , por su parte, se muestra de pie, de cara al espectador directamente y mirándolo como lo haría un oponente en un duelo. Por el contrario, cuando al final de la XIX ª  siglo, se extendió pinturas naturalistas y artistas tratan el tema de la vida cotidiana, algunos adoptan posiciones más casuales para establecer con el espectador una cierta privacidad climático. Este es particularmente el caso de James Tissot .

A principios del XX °  siglo, cuando el auge del nacionalismo anunciar la Primera Guerra Mundial y el psicoanalista Sigmund Freud pretende analizar el lado oscuro de la personalidad, su compatriota Egon Schiele adopta actitudes provocadoras, a veces abiertamente obsceno.

Otras obras notables:

Expresión facial

Al final del XV °  siglo, Vinci comienza con su serie de dibujos de Grotesque primeras investigaciones en la fisonomía , que continuarán hasta el tiempo del clasicismo, sobre todo en la obra de Charles Le Brun .

Desde principios del siglo siguiente, el deseo de traducir las "pasiones del alma" en pintura se extiende, especialmente en Giorgione ( Retrato doble , hacia 1502-1510, Roma) y Lotto ( Retrato de un joven con una lámpara , hacia 1506-08, Viena). Sin embargo, en ese momento todavía eran bastante raros los autorretratos mecanografiados, como el de Giorgione como David , todos en tensión (c. 1509-1510, Brunswick ) o el de Vinci , como un viejo y sabio patriarca (1512, Turín). .

De hecho, es en la XVII ª  siglo que los artistas aparecen expresiones marcadas en sus autorretratos: inclinación de la cabeza, las expresiones faciales, la intensidad de la mirada ... algunos en la estela de Le Brun y de la Academia, juego de estos efectos con ningún otro propósito que demostrar cierto virtuosismo. Pero otros lo utilizan en la perspectiva de un enfoque claramente introspectivo , siendo el primero de ellos Rembrandt , autor de cerca de un centenar de autorretratos pintados, dibujados o grabados.

Encontramos "el autorretrato psicológico" durante los siglos siguientes, donde los artistas liberan toda una gama de sentimientos, a veces auténticos (como Füssli O Friedrich ), incluso muy íntimos (como con Egon Schiele ) a veces en al contrario simulado (como en Courbet , aficionado a la representación teatral), incluso forzado: la carcajada que Richard Gerstl despliega en su autorretrato de 1908 no impedirá que el artista se suicide unos meses después.

El tema de rostros expresivos apasionada artistas, entre ellos el escultor alemán-austríaco Franz Xaver Messerschmidt , se hizo famoso por sus sesenta y nueve "cabezas de carácter" hechas a finales del XVIII °  siglo (momento en el cual Lavater publicó sus tesis sobre la fisonomía) y a veces presentado como autorretratos. Sin embargo, a pesar de este interés por la fisonomía no debilita el XIX °  siglo (ver los cinco "retratos de locos" hechas por Géricault alrededor de 1820), son relativamente pocos los artistas están experimentando en sí mismos, con la excepción notable por Courbet , incluyendo al final del siglo a pesar del éxito de los escritos del criminólogo Cesare Lombroso ) en el campo de la fisonomía.

Nótese, sin embargo, caras muy expresivas de Egon Schiele al inicio del XX °  siglo, y los de Felix Nussbaum , un poco más tarde, y lo último autorretrato de Picasso , la cara de la muerte de autorretrato pintado en 1972, menos de un año antes de su muerte: el rostro ocupa casi todo el formato, los ojos se abultan y la débil referencia a la apariencia externa no disminuye en modo alguno la fuerza de la expresividad, todo lo contrario.

Otras obras notables:

Los objetos

Los objetos que más se insertan en los autorretratos son los pinceles y las paletas, en manos de artistas. Pero otros objetos aparecen con el tiempo y su presencia no se justifica de la misma forma.

En el XV °  siglo, que básicamente tienen un valor simbólico. Así, el Autorretrato con cardo de Durero de 1493, se refiere a la corona de espinas de Cristo.

Desde el XVII °  siglo, los objetos son muchas y variadas. Entonces tienen varios significados posibles. Pueden referirse a una afición de la artista (ejemplos: Artemisia Gentileschi representándose a sí misma tocando el laúd) pero también atestiguan la importancia que les confiere en su época, que es más materialista. Corresponde al momento en que la naturaleza muerta se está extendiendo como género . Y cuando las vanidades aparecen en los Países Bajos, varios pintores, como David Bailly , se representan en medio de una gran cantidad de objetos con el claro objetivo de demostrar su virtuosismo.

En el XVIII °  siglo, la presencia de un busto de una celebridad da algunos artistas cierta solemnidad. Así, cuando Joshua Reynolds , primer presidente de la Real Academia , a la manera de Rembrandt y siguiendo el modelo de su Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653), se representa a sí mismo hacia 1780 en compañía de un busto de Miguel Ángel .

En el XIX °  siglo, la empresa rompe con el ideal aristocrático y democratiza pero la gran mayoría de los intelectuales y artistas a sí mismos como los instigadores de la historia, el romance es el mejor ejemplo de que la hinchazón del ego . Si bien las escenas de la vida cotidiana son objeto de un gran número de obras, durante la segunda mitad del siglo los autorretratos se mantuvieron más bien centrados en la representación de sus personas, con exclusión de los decorados y accesorios.

No fue hasta el XX °  siglo que los artistas son más propensos a estar rodeado de objetos de uso cotidiano como si fueran allí por casualidad, que a su vez da su autorretratos un aspecto natural y instantánea. Así, cuando Zinaïda Serebriakova se representa a sí misma peinándose en 1909, y muestra todos sus artículos de tocador en primer plano.

Sin embargo, a veces los objetos vuelven a adquirir una dimensión simbólica o metafórica. Ejemplos: Lovis Corinth apareciendo en compañía de un esqueleto de laboratorio en un paisaje urbano como telón de fondo, para expresar sus sentimientos sobre el lugar de la muerte en las sociedades "modernas"; Georg Scholz frente a un concesionario de automóviles , en la época en que los vehículos de motor seguían poblando los paisajes urbanos o incluso la italiana Tamara de Lempicka desfilando al volante de su Bugatti .

Otras obras notables:

La compañía

La norma para los autorretratos es que el artista se represente solo en su pintura, pero a menudo sucede que está en compañía. A continuación, observamos varios casos, siendo el más frecuente el del marco familiar (presencia del cónyuge, un hijo o incluso toda la familia). Luego viene el caso de la presencia de un amigo o de una persona que suele servir de modelo al pintor… El pintor también puede aparecer en medio de un grupo más o menos numeroso.

Es el descanso y en Italia, el XV °  siglo, el retrato despegó. (ejemplos: Benozzo Gozzoli , que coloca su rostro en un grupo de jinetes en el fresco La adoración de los magos , en 1459; Filippino Lippi , que desliza su rostro hacia el extremo derecho de su gran fresco La disputa con Simón el mago en 1481 ; o de nuevo, veinte años después, Luca Signorelli , de pie en el extremo izquierdo y en primer plano de La aparición del Anticristo ). Se distinguen de otros personajes por el hecho de que sus miradas se dirigen hacia el espectador.

Al mismo tiempo, en Flandes, Rogier van der Weyden y luego Dirk Bouts , se representaron sucesivamente en compañía de la Virgen María, vistos al mismo nivel en el papel de San Lucas dibujando su retrato, sus rostros en cambio dirigidos hacia ella.

Otras obras notables:

  • Rogier van der Weyden , San Lucas pintando a la Virgen , circa 1435-1440, Boston, Museo de Bellas Artes
  • Raphaël , Autorretrato con un amigo , 1518-1520, París, Musée du Louvre
  • El Greco , La Sagrada Familia con Santa Isabel , 1580-1585, Toledo, Museo de Santa Cruz
  • Giovanni Battista Paggi, Autorretrato con un amigo arquitecto , 1580-1590, Museo de Würzburg
  • Jacob Jordaens , Autorretrato en familia , 1621-1622, Madrid, Museo del Prado
  • Bartolomeo Passarotti , grupo de seis hombres, entre ellos el pintor , XVII °  siglo
  • Carl Larsson , el artista con su hija , 1895, Göteborg, Göteborgs Konstmuseum
  • Anders Zorn , Autorretrato con su modelo , 1896
  • Suzanne Valadon , Retrato de familia , 1912, París, MNAM
  • Laura Knight , Autorretrato con desnudo , 1913, Londres, National Portrait Gallery
  • Louise Catherine Breslau , El artista y su modelo , 1921, Ginebra, Museo de Arte e Historia
  • Christian Schad , El artista y su modelo , 1927, colección privada
  • Grant Wood , Regreso de Bohemia, 1935, Davenport (Iowa, Estados Unidos), Figge Art Museum
  • Paul Delvaux , Sleeping City , 1938, colección privada

A veces también ocurre que los artistas se representan a sí mismos "en compañía de ellos mismos", es decir dos o más veces sobre la misma imagen.

Otras obras notables:

  • Atribuido a Jacques-Eugène Feyen , Autorretrato múltiple , hacia 1906
  • Jean Cocteau , Autorretrato cuádruple , 1915-1916, colección privada
  • Vincent Canadé, Autorretrato doble , 1927, Nueva York, Moma
  • Jean Dubuffet , Autorretrato doble con sombrero , 1936, París, Fondation Jean Dubuffet
  • Johannes Grützke, Tres hombres sorprendidos , 1973, Hannover (Alemania), Galerie Brusberg
Cuerpo

Hacer tu propio retrato significa exponer tu imagen corporal a la mirada de los demás. En la mayoría de los casos, la ropa elegida es neutra. Sin embargo, hay dos casos extremos:
- uno en el que el artista se representa desnudo o muy liviano para diferentes propósitos, en particular con el objetivo de compartir su intimidad, incluso si esto significa desviarse hacia un cierto exhibicionismo;
- aquella, por el contrario, donde la ropa cobra más importancia que el rostro, como si el artista quisiera enfatizar su estatus social.
Estos dos caminos no son mutuamente excluyentes y ciertos artistas, como Lovis Corinth o Avigdor Arikha , se han embarcado en ambos.

El cuerpo desnudo y descubierto

Las motivaciones del artista para mostrarse desnudo son múltiples, empezando por Durero , pionero en el género. Durante el siglo XVI, en un dibujo que había quedado inconcluso , se representaba a sí mismo en la mitad de las piernas, con el cuerpo ligeramente doblado y la mirada fija en el espectador. Luego enfatiza los efectos de la luz en su anatomía, "sacrificando la imitación de la realidad al deseo de equilibrar los volúmenes, por ejemplo levantando su hombro derecho, que es el más cercano al espectador, en blanco". Debería haberse sumergido en las sombras. ' . Hacia 1522, a los 50 años, esta vez con afán expresionista realiza su Autorretrato de Varón de Dolores , identificándose con Cristo sosteniendo en sus manos los instrumentos de su tortura.

Si bien el tema del desnudo se experimenta mucho desde los orígenes del arte, su práctica en el autorretrato está completamente abandonado después de Durero durante cuatro siglos a lo sumo, a principios XIX °  siglo, el pintor nazareno Victor Emil Janssen que representa vez sin camisa, por lo trabajar delante de su caballete, en un objetivo íntimo. Pero en vigor durante la primera mitad del XX °  siglo. En primer lugar con la alemana Paula Modersohn-Becker , durante su última estancia en París, cuando testificó su placer de estar embarazada, en 1906 (lamentablemente murió al año siguiente, tres semanas después de dar a luz).

Al mismo tiempo, su compatriota Lovis Corinth también se revela sin camisa. Su interés por la carne recorre todo su trabajo y, cinco años antes, en su Autorretrato con una copa de champán con su esposa , reveló particularmente su carácter tolerante. En el Autorretrato con vidrio , enfatiza el carácter imponente y estructurado de su estatura, ocupando el busto casi la mitad de la superficie del cuadro.

También al mismo tiempo, los austriacos Richard Gerstl y Egon Schiele se pintan completamente desnudos, a veces en posturas provocativas o incluso obscenas, para expresar su compleja relación con la sexualidad y, más en general, con la existencia. Mueren a los 25 y 28 años, respectivamente, y Gerstl se suicida colgándose frente a un espejo, pocos meses después de su autorretrato desnudo .

La alemana Anita Rée , también está en el origen de varios autorretratos. De origen judío y de frágil sensibilidad, no apoya el auge del nazismo en su país. En 1929, su desnudez expresa su sentimiento de fragilidad e impotencia, un brazo aprieta modestamente su pecho mientras el otro, como una muleta, sostiene la cabeza, la mirada refleja su consternación. Desesperada, la artista terminará sus días cuatro años después, cuando los nazis lleguen al poder.

Más adelante en el siglo, dos pintores británicos muy influyentes, Stanley Spencer y Lucian Freud , se representaron desnudos, luego ambos recurriendo a un pico muy grueso, para indicar mejor el aspecto físico, carnal, del cuerpo.

A principios del siglo siguiente, su compatriota Jenny Saville siguió sus pasos, jugando con las desproporciones y optando por formatos muy grandes para expresar su propia obesidad de una manera completamente asumida y así atestiguar una mirada crítica sobre los cánones estéticos . Con un objetivo similar, la feminista israelí Ora Ruven convoca la historia del arte para mostrar una comparación entre su morfología y la de la Venus de Botticelli .

Otras obras notables:

Vestimenta, cuerpo camuflado
Algunos artistas tienen especial cuidado en sus autorretratos con su vestimenta hasta el punto de que el espectador puede considerar que les dan más importancia que a sus rostros.

Dado que, de hecho, con el tiempo el estatus del artista se eleva en términos de respetabilidad ( Miguel Ángel , primer presidente de la Academia de Dibujo de Florencia , en 1566; Charles Le Brun , primer director de la ' Real Academia de Pintura y Escultura en 1648; Joshua Reynolds , primer presidente de la Real Academia de las Artes en 1768 ...), un gran número de artistas utilizan el autorretrato para realzar su propio estatus social . Para ello, utilizan diferentes dispositivos de puesta en escena (posturas, conjuntos, etc.), siendo la ropa uno de ellos.

Durante los conflictos armados, el uso del uniforme atestigua el compromiso de los artistas y es entonces la decoración, la postura de los cuerpos, la artesanía (realista o expresionista) ... lo que indica si se sufre dolorosamente ( Otto Ten en 1914) o por el contrario asumido con orgullo ( William Orpen en 1917, Rex Whistler en 1940 ...).

Otras obras notables:

Disfraz y dramatización

Ocultar

Otras obras notables:

Dramatización

Otras obras notables:

Fantasías

Otras obras notables:

El artista en su estudio

Otras obras notables:

El artista en la naturaleza

Hasta la llegada de los impresionistas , al final del XIX °  siglo (cuando tenga que desplazarse fuera y va a pintar "sobre el terreno" ), las obras están en el taller. Pero durante los tres siglos que preceden, ocurre que los artistas utilizan un artificio para dar "naturalidad" a sus retratos y autorretratos: tener un paisaje campestre de fondo.

Estas puestas en escena se construyen tanto más cuanto que los artistas optan por una estética decididamente "realista". Esta situación continuó hasta Yo mismo, retrato de paisaje de Douanier Rousseau , en 1890.
Por el contrario, cuando al final de su vida, en 1903, Camille Pissarro , especialista en pintura de paisaje, realizó su autorretrato en su casa parisina, la ventana en el fondo revela un entorno urbano: los edificios de Haussmann.

Otras obras notables:

Fragmentos

Otras obras notables:

  • Henry Moore , The Artist's Hands (dibujo), circa 1974, The Henry Moore Foundation
Retiro

El autorretrato se asocia generalmente a un negocio de autopromoción. Sin embargo, hay situaciones, a lo largo de la historia del arte, en las que los artistas, por diversas razones, no quieren resaltar particularmente su persona, al contrario. Luego aparecen en forma de una pequeña figura, en el medio o al fondo de una habitación ( Rembrandt , 1627); Rosa , c. 1835), de forma difusa e imprecisa ( Boccioni , 1910), de un personaje visto desde atrás ( Longhi , c. 1745), de una silueta a la sombra china ( Spilliaert , 1907) o - del siglo XX - de una representación apartándose radicalmente de los códigos de la figuración realista ( Gris , 1912; Seiwert , 1928). A partir de 1969, el alemán Georg Baselitz llegó incluso a ordenar sus personajes al revés .

El ejemplo más famoso es una pintura de la que no estamos absolutamente seguros de si se trata de un autorretrato, el artista no especifica en ninguna parte: El arte de la pintura de Vermeer , hacia 1666.

Otras obras notables:

Borradura

Omar Calabrese cree que "el arte contemporáneo, que cuestiona el valor de la figuración y el parecido, ya no se preocupa en absoluto por la cuestión del autorretrato (...): poco a poco hemos llegado a su negación  " . Sin embargo, según él, algunas obras recientes pueden interpretarse como equivalentes del autorretrato. El semiólogo para ir avanzando la idea de que las razones de este cambio radical hay que buscarlas en los orígenes mismos de la figuración realista, el XV °  siglo, y su evolución durante los siguientes siglos.

Cuando en 1434, en el retrato de los esposos Arnolfini , Van Eyck dejó aparecer su diminuta figura en el espejo fijado al fondo de la habitación, testificó su presencia con cierta humildad. Utilizando su dominio de la pintura al óleo, los flamencos dominaron posteriormente todo el arte europeo en el dominio del detalle. Pero el proceso que fue una señal de discreción en Van Eyck ahora debe interpretarse como un signo de vanidad . Cuando, exactamente dos siglos después, en 1634, Pieter Claesz manifestó su presencia en una esfera metálica entre otros objetos, también pintados en trampantojo , fue esencialmente con el objetivo de demostrar su maestría técnica. Tanto es así que cuando las vanidades como género luego se generalizan, se permite ver autorretratos virtuales. Así, cuando Anne Vallayer-Coster pintó su cuadro Los atributos de las artes en 1769, insertó el busto de una mujer en el que el filósofo Christophe Genin vio más tarde “un autorretrato velado”.

Mientras tanto, a principios de XVI ª  siglo Roma, Miguel Ángel estaba cubierta con fotografías del techo y las paredes de la Capilla Sixtina . Y a diferencia de los pintores de frescos italianos del siglo anterior, no insertó los rasgos de su rostro en forma de camafeo sino de criptoretrato. Utilizando el proceso de anamorfosis , y de acuerdo con lo que indican sus propios escritos, efectivamente se autorretrato con la apariencia del apóstol Bartolomé , cuya leyenda relata que fue desollado vivo. Si el artista procede de esta manera, solo un enfoque biográfico nos permite comprender la razón. En sus Cartas , precisa que el carácter perseguidor le dio los rasgos del escritor Pierre L'Aretin porque este último, habiéndose permitido criticar fuertemente su obra, se había sentido "desollado vivo" .

Desde el final de la XVIII ª  siglo, cuando se multiplican los salones y se abren los primeros museos, artistas crean más dependiendo de su única autenticidad, sino también su reputación o el deseo de reconocimiento a partir de un público cada vez más amplio . Entonces sucede que se citan a sí mismos en ciertas obras refiriéndose a obras pasadas. Así, cuando en 1868 Edouard Manet pintó el retrato de su amigo escritor Émile Zola , insertó, exhibida en una pared, una reproducción en blanco y negro de una de sus pinturas más famosas, la Olimpia , que había exhibido cinco años antes en el salón , y que a su vez causó un escándalo rotundo. De esta forma, crea un “autorretrato implícito” .

El autorretrato ya no se define por el parecido con el artista o incluso por su presencia física, sino por la interpretación de sus motivaciones por parte del espectador, según lo que éste sabe de su vida.

Tomando el ejemplo de La habitación de Van Gogh en Arles , de la que hay tres versiones, Calabrese subraya el hecho de que con la aparición del arte moderno, " el espectador hace la imagen ". Al menos el espectador informado, culto, que sabe en este caso que Van Gogh ha realizado un gran número de autorretratos en cuatro años y que, cuando representa su habitación vacía, él mismo (espectador) puede interpretar la pintura como un yo. -retrato por defecto. Calabrese asimila entonces el proceso a una figura lingüística: el idiolecto .

También subraya que un gran número de artistas titula obras de “autorretrato” que no denotan ningún parecido con sus rostros, ni la más mínima referencia al objetivo real, para sugerir su presencia a los espectadores sin tener que revelarlo. a ellos ("re-presentar") explícitamente: Kasimir Malevich , Man Ray , Joan Miro … luego, más tarde, Roy Lichtenstein o Daniel Spoerri .

Otros ejemplos de obras que forman parte de este proceso de borrado:

El retratista

Como cualquier otro tema de las artes visuales, un artista puede realizar su autorretrato utilizando diferentes medios y soportes, eligiendo diferentes formatos y utilizando diferentes procesos (encuadre, composición, ángulo de visión…). La elección de estos diferentes componentes permite detectar sus intenciones pero también revelar significados en los que no necesariamente había pensado durante el diseño y producción de la obra.

El dibujo (lápiz y carboncillo), el grabado y especialmente la pintura (gouache, temple, acrílico y óleo) son los medios más utilizados. La escultura (piedra, mármol, madera, metal o materiales sintéticos) es mucho más rara. Desde el XIX °  siglo, la fotografía se convirtió en un nuevo medio, pero debido a su más inmediato, instantáneo , que normalmente se encuentra como un género separado, contra los artistas obligando técnicos a un cierto ascetismo.

El marco

El encuadre indica el lugar que ocupa el sujeto entre los cuatro bordes de la imagen y, en consecuencia, la forma en que se considera a sí mismo cuando trabaja y cómo quiere que lo considere el espectador: para ponerse más o menos en valor o en al contrario, permanecen más o menos discretos.

En cuanto a retrato y autorretrato, el encuadre se define por la proporción que ocupa el rostro (parte esencial del cuerpo) en el campo de la imagen. Por tanto, un pintor puede decidir representarse a sí mismo como un todo pero apareciendo como un simple detalle en la pintura o por el contrario para mostrar su rostro o parte de su rostro en muy primer plano. Entre estos dos extremos, existe una gran variedad de encuadres .

Otras obras notables:

Punto de vista

En la mayoría de los casos, los artistas se representan a sí mismos para que el espectador los perciba como si estuvieran junto a ellos (vista lateral). Pero sucede que se muestran desde un ángulo bajo (cuando el espejo en el que se están observando está colocado en el suelo) o, por el contrario, más raramente, a vista de pájaro .

Otras obras notables:

Formato

Otras obras destacables (grandes formatos):

  • Chuck Close , Gran autorretrato , 1967-1968. Pintura acrílica sobre lienzo, 2,73 × 2,12  m  ; Walker Art Center, Minneapolis (Estados Unidos)
  • Jenny Saville , Marquée , 1992, 2,13 × 1,83  m , colección privada
  • Arnaud Grappin, Autorretrato gigante , 1,30 × 0,98  m
  • Stipan Tadić, Gran autorretrato , 2014-2018, 2 × 1,50  m
Encendiendo

Otras obras notables:

El abismo

Desde el Tratado de Pintura de Alberti , es común considerar la pintura como una metáfora de una ventana al mundo, al menos para iniciar reflexiones sobre el estado de la imagen y la relación entre lo real y sus representaciones. A los artistas entonces les gusta no solo hacer sus autorretratos sino representarlos en pinturas (o frescos) de mayor tamaño, principio de las muñecas rusas . Operan este proceso de varias formas.

De cameo a retrato independiente

Al comienzo del XVI °  siglo, Italia, la práctica de la auto-retrato del camafeo no ha desaparecido por completo y el de autónomos autorretrato realmente no ha surgido.

Dos pintores, Pinturicchio y Pérugino , establecen entonces una categoría intermedia: la inserción de un retrato autónomo, representado en trompe l'oeil, marco incluido, e insertado en la periferia inmediata de grandes frescos murales de los que son autores y por lo tanto tienen - como cameos - valor de firmas.

En 1500, Pinturicchio pintó una serie de frescos en la Capilla Baglioni de la Collegiata Santa Maria Maggiore, en Spello , Umbría. En la pared de la izquierda hay una Anunciación . En el ángulo recto hay un trompe-l'oeil , el autorretrato del pintor sobre un cartellino con un texto y una firma completados con elementos decorativos que componen un tocador .

Imagen en imagen

Otras obras notables:

Lo real, el reflejo y la imagen

Otras obras notables:

El espejo revelado

El espejo es el instrumento de referencia por excelencia en materia de autorretrato. Desde un punto de vista práctico, constituye para el artista una fuente permanente de interrogantes. Por un lado, de hecho, devuelve una imagen invertida de la realidad, lo que plantea un problema de lateralización (el artista se ve así llevado, por ejemplo, a representar su mano izquierda en la parte derecha del cuadro); por otro lado, los primeros espejos de que dispone son convexos, es decir que la imagen que devuelven está distorsionada (principio de anamorfosis).
Las respuestas dadas por el artista varían entre dos polos: o ignorar estos datos, o revelarlos al espectador representando el propio espejo, o incluso -en un caso extremo- representándose a sí mismo pintando, así como al espejo que somos. usando y la pintura en progreso. En este sentido, el cuadro de Johannes Gumpp , pintado en 1646, constituye un documento de trascendencia educativa: para el espectador de su tiempo, Gumpp indica cómo se hace un autorretrato, sabiendo que representarse desde atrás es necesariamente una abstracción; el espectador de hoy Gumpp dice que es su tiempo, el XVII °  siglo, estas preguntas en realidad han sido informados.

Espejo convexo
La distancia del artista al espejo es decisiva: si está lejos de él, su autorretrato se reducirá a la indicación de una diminuta silueta perdida en medio de un cuadro, como vemos por ejemplo a lo largo de los años. en las pinturas flamencas Van Eyck y Campin; si se acerca a él, como es el caso del autorretrato del joven parmesano, el resultado es un primer plano, la distorsión del espacio aparece aún más en la periferia de la imagen. La tabla de parmesano es circular y su diámetro es de 24  cm … probablemente el tamaño del espejo utilizado: el uso de la escala 1 permite reducir la dificultad.
Cuando se difunda el uso de espejos, algunos artistas seguirán usando espejos convexos, entrando luego sus obras en el registro de curiosidades (ver Gabinete de curiosidades ), reduciéndose la motivación del artista a demostrar su nivel de virtuosismo al espectador.

Otras obras notables:

  • Vincent van der Vinne , Vanidad , XVII °  siglo, colección particular
  • Roberto Fernandez Valbuena, Laboratorio , 1910 (entre otros trabajos sobre el mismo tema)
  • George Lambert , El espejo convexo , 1916
  • Mark Gertler, Naturaleza muerta con autorretrato , 1918, Leeds (G.-B.), Galería de arte
  • Roberto Montenegro , serie de espejos convexos, 1926, 1942, 1953, 1959, 1961, 1965
  • MC Escher , Mano sosteniendo un espejo esférico , 1935, Ottawa, Galería Nacional de Canadá
  • Harold Gresley , The Convex Mirror , 1945, Derby (G.-B.), Museo y Galería de Arte
  • Will Wilson, Autorretrato en un espejo biselado , 2004
  • Amnon David Ar, Autorretrato en un espejo convexo , 2008

Espejo plano

Otras obras notables:

La citación

Otras obras notables:

El código estético

La democratización del uso de la fotografía, al final del XIX e  siglo, provocó el nacimiento de las vanguardias  : después del impresionismo , el fauvismo , el cubismo y el expresionismo (al comienzo del XX e  siglo) cuestiona la supremacía del realista figuración, juzgada entonces demasiado mimética e insuficientemente expresiva de la interioridad.

Otras obras notables:

Enfoque cronológico

El autorretrato como un género apareció al final del XIV °  siglo y es una especificidad del arte occidental. La razón de esto es que la visión del mundo dominante en esta región del mundo está cambiando en este momento. Para comprender la razón, es necesario un breve vistazo al pasado.

En el IV º  siglo, bajo el emperador Constantino , el cristianismo se convirtió en religión del estado y su sede en Roma . Durante diez siglos, esta religión dejó su huella en toda Europa Occidental. Y como la gente era en su mayoría analfabeta, los dignatarios de la Iglesia utilizaron las imágenes para difundir el mensaje bíblico  : los frescos y las vidrieras no fueron diseñados para decorar iglesias y catedrales, sino para servir como material didáctico: son literalmente documentos , en la significado de la palabra latina doceo , enseñar .

A finales de la Edad Media , la Iglesia dejó paulatinamente de ejercer un liderazgo en la difusión del pensamiento. Por un lado, el poder temporal ha ganado la delantera, por otro lado, dado un fuerte crecimiento demográfico, el comercio se ha desarrollado considerablemente y quienes se han dedicado a él no solo se han enriquecido, sino que han utilizado gran parte de su riqueza para apoyar económicamente tanto a la Iglesia como a los príncipes. Concentrados en ciudades (pueblos), comerciantes y banqueros terminaron formando una clase social extremadamente influyente, la burguesía . La iglesia en sí está abierto al mundo material, en el XIII °  siglo, bajo la dirección de diversas personalidades como Francisco de Asís y Santo Tomás de Aquino y la historia de las ideas ha tomado un nuevo comienzo con la aparición de los primeros intelectuales , tales como Dante Alighieri , capaz de desarrollar narrativas más o menos independientemente de las consideraciones religiosas. Esta gran mutación se conoce comúnmente como humanismo .

Para comerciar, la burguesía ya no se refería a consideraciones de orden teológico sino que demostró pragmatismo y realismo . Por lo tanto artesanos que realizan las imágenes en nombre de la iglesia han ido creando un tipo de expresión: el realismo: el XIV °  siglo, nació un nuevo lenguaje pictórico, en gran parte bajo el impulso de Florentin Giotto , basado en el principio de la imitación de lo real mundo y los medios teóricos a implementar para dar cuenta de su tridimensionalidad en un plano de apoyo, por definición bidimensional: una observación atenta de la luz en los volúmenes y algún sentido (empírico) de perspectiva.

Hasta el final del XIX e  siglo y el desarrollo de la fotografía, este realismo constituirá un estándar casi insuperable, los "estilos" cambiantes en última instancia, sólo superficialmente. Y el arte narrativo, hasta entonces de inspiración exclusivamente religiosa (representación de escenas bíblicas) irá tomando acentos cada vez más seculares, convirtiéndose en “pintura de historia”, mientras surgen nuevos géneros: paisaje, naturaleza. Muertos y sobre todo, en primer lugar. , el retrato. El autorretrato aparecerá al final del XIV °  siglo, cuando el retrato será lo suficientemente alto en la escala social que se atreven a imaginar.

El primer Renacimiento (final XIV °  siglo - final XV °  siglo)

La mayoría de los historiadores coinciden en que el autorretrato como un género que ha puesto su estallido en la escultura de la segunda mitad del XIV °  siglo: "Es generalmente aceptado, por ejemplo, que la figura encapuchada coloca a la -right extrema de la bas El relieve del funeral de la Virgen , en el tabernáculo de Orsanmichele en Florencia, hacia 1359, es un autorretrato de Andrea di Cione Arcangelo, conocido como la Orcagna . "

El proceso consiste en insertar la imagen de su rostro entre otras, en obras que relatan episodios de la Biblia.

En la década de 1370, el escultor y arquitecto suabo Peter Parler colocó su propio busto en el triforio de la catedral de Praga, entre los veinticuatro bustos de benefactores asociados con la construcción del edificio.

A principios de la XV ª  siglo , tanto en Italia y Flandes, pintores deslizar sus caras en las obras de ponerlos en la presencia de uno o más caracteres, pero no están atestadas plenamente por sí mismos.

Italia

Uno de los primeros artistas en subir al escenario en una de sus obras es Benozzo Gozzoli , avanzando entre la multitud, con una gorra en la que está inscrito su nombre, en el fresco de la Adoración de los Magos ( Capilla de los Magos , 1459, en Florencia ).

Luego, el proceso se repite comúnmente. Así es como Piero della Francesca se representa a sí mismo como un soldado dormido en su Resurrección (c. 1463-1465, Sansepolcro ) y Sandro Botticelli , se vuelve orgulloso al espectador, en otra Adoración de los Magos en 1475.

Fra Filippo Lippi aparece en el ciclo de frescos de Escenas de la vida de la Virgen (Catedral de Spoleto , entre 1467 y 1469), así como su hijo Filippino Lippi en La Dispute avec Simon el Mago de la Capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine. (1471-1472), en cuya realización participa.

Asimismo, Domenico Ghirlandaio incluyó su rostro entre otros en su Adoración de los magos , a finales de la década de 1880.

Flandes

El hombre del turbante rojo de Jan Van Eyck , supuestamente "el primer autorretrato de la historia"

El segundo renacimiento (finales del XV °  siglo - XVI °  siglo)

Alberto Durero y Alemania

Al final del XV °  siglo, el alemán Alberto Durero erige el autorretrato con el tipo de estado completo. De hecho, es el primer artista conocido que pintó varios, que los fechó y los firmó. Al hacerlo, adopta un encuadre que se convertirá en un estándar: la representación del busto.

Tomó forma a los trece años en 1484, luego, durante la década siguiente, en 1493, 1498 y 1500, realizó tres grandes autorretratos. El último (expuesto en la Alte Pinakotek de Munich ) es notable porque el pintor se muestra cara a cara, y ya no en tres cuartas partes, un proceso al que pocos artistas han recurrido. Cada vez, Durero inscribe su monograma de una manera cuidadosamente escrita a mano.

A principios del siglo siguiente, exactamente en 1503, se convierte en el primer artista en retratarse desnudo. Y más tarde, en 1522 y 1523, cinco años antes de su muerte, emprendió un nuevo atrevimiento, sin dudar en mostrarse a través del carácter de Cristo.

En 1517 se inició en Alemania un acontecimiento político-religioso que modificó considerablemente las relaciones sociales y, en particular, la percepción de los individuos por sí mismos: la Reforma Protestante . Radicalmente diferente del papado y de una gran cantidad de ritos (cultos a los santos y a la Virgen) y aprovechando el auge de la imprenta, Martín Lutero tradujo la Biblia al alemán y desarrolló una teología que tenía como objetivo inscribir al individuo en forma directa. conexión con lo divino y, en consecuencia, le confiere una autonomía y una responsabilidad sin precedentes. El arte del retrato y el del autorretrato se verán afectados: bajo la influencia de la escuela flamenca y tras la estela de Durero, los artistas expresan los rasgos de sus rostros de una manera mucho más realista que en el pasado.

Italia y Caravaggio

Caravaggio

Caravaggio no deja ningún autorretrato en rigor (representación del busto) pero un buen número de historiadores del arte creen que se toma a sí mismo como modelo en varios de sus cuadros, formulando distintas hipótesis.

Así, se le asimila al joven enfermo Baco , en 1593, al inicio de su carrera, así como probablemente en el grupo de Músicos (al fondo). Luego aparece en otras obras, desempeñando el papel de espectador como en El martirio de San Mateo (c. 1599-1600) o incluso El arresto de Cristo , en 1602.

La inserción del rostro de Caravaggio en sus pinturas da un giro dramático a partir de 1606, después de que el artista fuera culpable de un asesinato. De hecho, parece haber dado sus rasgos a la cabeza del gigante Goliat , blandida como trofeo por David en un cuadro producido posteriormente, identificándose así dramáticamente con el personaje violento descrito en la Biblia.

Flandes y Holanda

Academias de tiempo (final XVI °  siglo - principios XVIII °  siglo)

En la medida en que los pintores son cortejados por príncipes y reyes, no desdeñan representarse a sí mismos. Así, el autorretrato se convierte en una práctica habitual. Sin embargo, por su obediencia al poder temporal, la mayoría de ellos no revolucionan el género, encerrándolo por el contrario en un modelo estereotipado acordado, una copia del retrato ceremonial de estos mismos príncipes y reyes.

Muy raros, finalmente, son los artistas que se destacan de la norma. Rembrandt , en Holanda, es reconocido por unanimidad como el primero de ellos.

Academismo

Una academia es una institución de origen privado o público (nacional) cuya vocación es brindar educación. Las primeras academias de arte aparecieron en Italia durante la segunda mitad del siglo XVI siguiendo  el modelo de la academia de dibujo , fundada en Florencia en 1563 por Cosimo de Medici por iniciativa de Vasari . Rompiendo con la tradición medieval de las corporaciones, las academias pretenden tecnificar el acto pictórico, que se convierte en una "especialidad" que permite "crear sensación".

Este movimiento llegó a Francia en 1648, bajo el reinado de Luis XIV , que en ese momento solo tenía 10 años: bajo un control muy regulado y dirigido por Charles Le Brun , la Real Academia de Pintura y Escultura jugó un papel importante. campaña, los artistas se ven obligados a cumplir con sus demandas. No solo en Francia, sino en el resto de Europa, los “ pintores de la corte ” adoptaron más o menos los mismos códigos estéticos y luego los enseñaron a las generaciones posteriores.

Debido a su estatus oficial, que se multiplican autorretratos, al mismo tiempo, no permitiendo ninguna diferencia real en el estilo hasta principios del XVIII °  siglo, Luis XIV murió en 1715 en Francia que marca el final de este llamado el gran siglo . Así es como calificamos este estándar como academia .

El debate barroco-clasicismo

Frente a la aparente uniformidad de estilo que caracterizó el período, los historiadores y críticos de arte intentaron identificar tipos o tendencias . Fue así que en 1915, en sus Principios fundamentales de la historia del arte , el suizo Heinrich Wölfflin desarrolló una teoría que luego sirvió de referencia para varias generaciones de historiadores: la "oposición barroco-clásica" ". Si, según él, el barroco está marcado por el deseo de expresar una cierta subjetividad a través de un lenguaje corporal franco y asumido, el clasicismo (que apareció más tarde) se caracteriza por una preocupación por la objetividad y el deseo de organizar la mesa según reglas de composición racional. . El primero sería más "pictórico" cuando el segundo, en cambio, estaría más regido por el dibujo.

Los artistas más citados como principales representantes de estas dos corrientes son el holandés Pierre Paul Rubens, luego el italiano Luca Giordano para el barroco y los franceses Nicolas Poussin y Philippe de Champaigne para el clasicismo. Sin embargo, la distinción "barroco-clasicismo" aparece con menos obviedad en sus autorretratos que en sus otras obras respectivas, en particular las pinturas de gran formato.

Rembrandt

El autorretrato más destacado es, sin duda , Rembrandt , que dedicó cerca de un centenar de obras, grabados o lienzos, a la imagen de uno mismo . El autorretrato aparece con él como una forma de diario privado, fundando para la pintura lo que Philippe Lejeune llamó “el pacto autobiográfico”. Su primer autorretrato conocido data de 1627, cuando era un joven desaliñado; la última de 1669, pocas semanas antes de su muerte. Con el tiempo, lo vemos envejecer y mostrarse con diversos disfraces, desde el joven de aspecto tímido que se pinta a contraluz cuando acaba de cumplir los veinte, hasta el anciano cansado, arrugado, con la nariz incipiente de 1669.

  • Rembrandt a los 22 años
    alrededor de 1628
  • Rembrandt a los 28 años
    alrededor de 1634
  • Rembrandt en 35
    1641
  • Rembrandt a los 49 años
    alrededor de 1655
  • Rembrandt a los 63 años
    alrededor de 1669
Vermeer

El arte de la pintura de Vermeer (1666) es quizás el primer autorretrato desde atrás,

Velásquez

En España, Velásquez anula todos los códigos con sus Meninas (1656-1657).

El triple autorretrato de un pintor poco conocido, el austriaco Johannes Gumpp en 1646 constituye un ejercicio de estilo sin parangón en la época.

Johannes Gumpp
Johannes Gumpp no es generalmente reconocido como un artista de gran renombre, pero sin embargo es el autor en 1646 de un cuadro que constituye una curiosidad ya que está representado allí simultáneamente en tres ocasiones:
- visto desde atrás (centro), pintura;
- como se ve en un espejo (izquierda);
- como se ve a sí mismo en un cuadro que está creando (a la derecha).

La Ilustración ( XVIII °  siglo)

Academicismo (continuación) La búsqueda de la autenticidad

Desde la muerte de Luis XIV y más aún durante la segunda mitad del siglo, cierto número de intelectuales europeos manifestaron su cansancio ante las prácticas de vida mantenidas por la monarquía absoluta , que consideraban convencionales y esclerosantes: aspiran a emancipación de los individuos, tanto psicológica como social y políticamente (democracia): el movimiento ilustrado está en movimiento, llevado por una pequeña parte de la aristocracia y especialmente la burguesía .

A nivel artístico, este cambio se manifiesta por un rechazo categórico del arte oficial, propagado por las academias reales, y la aparición de un nuevo lugar de intercambio, el salón , impulsado íntegramente por nuevos valores, en primer lugar la felicidad y la libertad. . Así es como, en sus autorretratos, a los artistas les gusta representarse a sí mismos sin adornos, en posturas que muestran tanto una cierta relajación como el orgullo de ganar la delantera en la sociedad. En Francia, las sonrisas maliciosas desplegadas por Quentin de La Tour son particularmente representativas de este desarrollo.

La afirmación de "individuo" (finales del XVIII °  siglo / XIX XX  siglo)

Neoclasicismo Prerromanticismo y romanticismo El caso de Gustave Courbet Realismo y naturalismo La fotografía y su impacto

La invención de la fotografía tiene importantes repercusiones en la producción de imágenes. En sus inicios, retomó los códigos estéticos probados por los pintores durante cuatro siglos.

Pero muy rápidamente, la fotografía ejerció una influencia decisiva en los artistas, comenzando por los impresionistas , que renovaron su estética abandonando el taller por el motivo , comprometiéndose en una búsqueda de inmediatez y autenticidad que configurará el 'conjunto de lo que luego se llamará " arte moderno ".

La primera moderna (finales del XIX °  siglo)

Paul Cezanne
  • Autorretrato
    con fondo rosa
    alrededor de 1875
    colección privada
  • Autorretrato
    1879-1880
    colección privada
  • Autorretrato
    1880-1881
    National Gallery
  • Autorretrato
    con turbante blanco
    1881-1882
    Neue Pinakothek
  • Autorretrato con paleta
    1890
    Colección EG Bührle
Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh, que vivía en París y luego en el sur de Francia, se representó a sí mismo treinta y siete veces desde 1886 hasta 1893.

  • 1886
  • Verano 1887
  • Invierno 1887-1888
  • 1889
  • 1889
Paul Gaugin
  • Hacia 1885
  • 1888
  • 1889
  • 1889
  • 1893

De las "vanguardias" a 1945

La vanguardia

La crisis de la representación mimética

  • Autorretrato como soldado
    1915
  • X
    19
  • X
    1918
  • Autorretrato con un gato
    1919
  • X
    1925
Realismo en su continuidad
  • X
    1900
  • X
    1902
  • X
    1909
  • X
    1914
  • X
    1925