La comedia (del griego κωμωδία) es un género literario , teatral , cinematográfico y televisivo que opera en el registro del humor . Nacido en la antigua Grecia, se ha convertido en un género literario que ha florecido de forma diversa según los tiempos. Antes de Molière , estaba devaluada en comparación con la tragedia .
Tomada en el sentido amplio del término, la comedia no se centra sistemáticamente en el registro cómico (entretenimiento, ligereza, risa, etc.), incluso si la mayoría de las comedias lo están. La comedia llorosa , por ejemplo, es soñadora y nada humorística, pero funciona como una comedia, especialmente a través de la característica clásica del final feliz. En el XIX th siglo aparece, en especial con Alfred de Musset ( no se juega con el amor , Marianne Los Caprichos ), la comedia dramática , híbrido de género en el que el tono de la luz y buen humor, dominante en la comedia antigua y clásica, se borra por una final infeliz y una moral solemne inherente al drama romántico . Por lo tanto, el significado de "comedia" particularmente grande en el período clásico de la XVII ª siglo , restringe gradualmente, sobre todo después de la aparición, a finales del XVIII ° siglo , el teatro, un género "grave" marcada por la emoción y una patética tono. Por lo tanto, XIX ° siglo , el nombre de "comedia" se aplica a las partes cuyo denominador común es la risa, antes de desaparecer casi por completo en el teatro contemporáneo, que es repugnante para catalogar las obras de género.
Por otro lado, más allá de la diversión y el entretenimiento que brindan muchas comedias, una obra de este género también puede transmitir un discurso crítico.
La comedia tiene su origen en la literatura griega . La palabra κωμῳδία / kômôidía se forma κῶμος / KOMOS ("fiesta de Dionisio ") y ᾠδή / OIDE ("canción"). Jacques Grévin , en su Breve discurso ( 1561 ), da la siguiente etimología : “ Y en cuanto a mí, soy de la opinión que la Comedia tomó su nombre ἀπὸ τῶν κωμῶν, es decir calles por las que desde esa primera vez fueron jugado ”. En cuanto al término “teatro”, proviene del griego θέατρον ( theatron) y significa “el lugar donde se mira”. El teatro es, pues, ante todo un espacio de espectáculo.
Así, la palabra comedia proviene del griego cômè (= pueblo) y odè (= canción), porque los primeros actores iban de pueblo en pueblo; o de comos (= procesión), porque comenzaron sus bromas en Grecia en las procesiones de las celebraciones de Dioniso .
El término comedia también designa el arte del actor (también llamado comediante ). Hacer comedia significa jugar un papel.
En sentido figurado, actuar significa hacer películas o hacer modales para pequeñas cosas.
La comedia y la tragedia , cuya espalda a la representación VI º siglo antes de Cristo. AD y V º siglo antes de Cristo. D.C. , tienen un origen religioso , vinculado al culto a Dionisio .
“Como este culto trajo a su vez sacrificios funerarios o solemnidades alegres para celebrar el duelo del invierno o el brillante despertar de la primavera. Vimos la ceremonia sagrada convertirse en un drama de lágrimas o un drama de alegría. En el avivamiento, alegres procesiones de campesinos borrachos y disfrazados de Panes y Sátiros llevaron su carnaval religioso por el pueblo, y utilizaron la licencia consagrada de la fiesta, para interrumpir sus himnos de apóstrofes satíricos dirigidos a la multitud. Poco a poco estos interludios lazzi adquieren una forma más dramática; los bromistas hacen que la sátira sea más picante, interpretando a los personajes que atacaron: este entretenimiento se convierte en escenas de caricatura. Esta fue, por tanto, la cuna de la Comedia. "
Estas actuaciones tienen lugar durante los festivales organizados por el Estado. Dos veces al año, reúnen a los ciudadanos en torno a un concurso entre tres autores seleccionados de antemano. Durante los tres días de ceremonias, tienen representadas varias piezas cada una. Así el público asiste a unas quince funciones, desde la mañana hasta el anochecer. Esta forma de ver el teatro está bastante alejada de la forma en que lo vemos hoy, salvo en determinados festivales.
El lugar de estas actuaciones es un edificio al aire libre, capaz de acoger a un público muy numeroso, ocupando las gradas. Frente a él está el escenario, sobre el cual un balcón puede ver aparecer a los dioses . También hay un foso de orquesta , un espacio circular en el que hay un altar dedicado a Dionisio y reservado para el coro (por lo tanto, situado tanto "con" los actores, y separado de ellos).
El coro está compuesto por una serie de coreutes, que se encargan de la parte lírica del espectáculo (canto). Lo acompañó en un inicio un actor (el protagonista) luego se agregaron otros dos: el deuteragonista y el tritagonista . Con la evolución del teatro , la parte lírica ha disminuido, a favor del diálogo .
En ese momento, todos los roles estaban ocupados por hombres , con máscaras : el rostro del actor, por lo tanto, no expresaba una psicología matizada y los matices de la emoción pasaban por el tono y los gestos. Los actores usan túnicas coloridas, el color ayuda a los espectadores a distinguir entre los diferentes roles. Las piezas griegas se componen de un cierto número de “momentos” definidos: un prólogo, luego la entrada del coro (“parodos”), luego episodios interrumpidos por cánticos del coro, finalmente la salida del coro (“exodos”) .
Inicios de la comedia en la literaturaPor fábulas de Esopo denota un conjunto de fábulas en prosa atribuidas a Esopo , escritor griego que vivió a finales del VII XX y el comienzo del VI º siglo aC. D. C. Era originario de Tracia , cerca del Mar Negro .
Las fábulas de Esopo eran en prosa, concisas, La Fontaine ponía algún verso y Fedra Avianus y Charles Perrault, por nombrar solo al fabulista más famoso.
“Toda la historia de la vida de Esopo está cubierta por el tema de la risa, del buen chiste mediante el cual los débiles, los explotados, se imponen sobre los amos, los poderosos. En este sentido, Esopo es un precursor del antihéroe , feo, despreciado, sin poder inicial, pero que logra salir de la situación por su habilidad para descifrar acertijos ” .
Comedia ateniense bajo el siglo de PericlesEn el V º siglo antes de Cristo. J. - C. bajo el siglo de Pericles , en plena democracia ateniense, el poeta Cratinos crea la Vieja Comedia como institución de oposición política. Así, con la vieja comedia , el teatro se transforma en una plataforma .
“Oradores influyentes, demagogos, generales, gente de moda, [la vieja comedia ] traduce todos estos maestros de opinión en el escenario, expone sus acciones y proyectos parodizándolos, desenmascara su ambición; y, para que no nos equivoquemos, los nombra por sus nombres, satisfaciendo así ese eterno celo que es el aguijón y la plaga de la democracia. "
Si nada se ha conservado de Cratinos , de Phrynichos el Cómico , de Eupolis , de Pherecrates , de Platón el cómico , de Crates, de Formis y tantos otros, en cambio tenemos once obras de Aristófanes, que pueden darnos una idea . Idea suficiente de este fantástico drama lleno de imaginación y poesía.
“Los Acarnios y la Paz son un manifiesto contra la guerra del Peloponeso; los Caballeros, una ardiente invectiva contra Cléon, el político entonces partidario; las Avispas, una sátira de la organización judicial; las nubes, un panfleto contra la educación; los Pájaros, los Harangeus, la Lisístrata, el Plutus, una crítica de las utopías políticas y sociales; las Fiestas de Deméter y las Ranas, una parodia del teatro de Eurípides. Estas piezas abarcan tal variedad de objetos y están tan vívidamente entretejidas con los acontecimientos de la época, que, quizás incluso mejor que la historia de Tucídides, nos dan a conocer la situación de Atenas en ese momento. "
Pero a medida que el siglo de Pericles llega a su fin, la libertad ateniense y la vieja comedia tienden a desaparecer. Excluida de la política, condenada a abstenerse de personalidades, busca material nuevo en la vida privada y se adhiere a la sátira generalizada de las pasiones, peculiaridades y estados de ánimo de los humanos. Sin embargo, esta metamorfosis no ocurre de la noche a la mañana. Entre la comedia antigua y la nueva comedia hubo un periodo de transición indecisos, la de Antiphanius , Eubulos, Alexis , que se ha llamado la Comedia Media , donde, al igual que la escena siciliana, nos hemos divertido disfrazar episodios de la mitología . Las máscaras quedaron en la comedia popular de Italia (que se encontrará más adelante en la Commedia dell'arte )
Nueva comedia bajo la monarquía macedoniaLa nueva comedia (también conocida como Nea ) se inicia en la segunda mitad del IV ° siglo antes de Cristo. AD . Apenas fue hasta bajo la monarquía macedonia que un gran poeta, Menandro , finalmente sacó de estos bocetos la verdadera comedia de modales y carácter , tal como la entendemos hoy.
“Toma las aventuras ordinarias de la vida como escenario de sus obras, combina situaciones y contrastes para sacar a relucir en su ingenua y profunda verdad los sentimientos, las debilidades y las peculiaridades del corazón humano ... Su comedia se convierte en un cuadro real de modales, que devuelve a la vida la imagen de la sociedad ateniense de la época. "
Diphile y Philemon fueron, con Menander , los principales autores de la Comédie Nouvelle .
Comedia doriaEste otro tipo de comedia griega desarrollado en varias ciudades Dorian, como Megara , Esparta ... comedia Dorian estuvo representado por tres poetas, Epicharme , Phormis y Dinoloque. No era democrática, como la comedia ateniense: protegida por dos reyes, Gelón e Hierón, permaneció ajena a ese espíritu de sátira política que distingue a la Vieja Comedia de Atenas. Conservó, con un carácter de gravedad filosófica, el respeto de los poderosos; y las discusiones filosóficas ocuparon un gran lugar allí.
Comedia romanaComo en Atenas , el teatro romano tiene una dimensión religiosa : las representaciones están vinculadas al culto a Baco . Como también en Atenas, la dimensión política está presente, ya que el teatro se representa durante los Juegos, o durante importantes ceremonias que reúnen al pueblo. La canción, la danza, la música siguen acompañando el texto: el teatro es un "espectáculo total".
La utilería es más numerosa que en el teatro griego : aparece el telón del escenario, el vestuario es a veces suntuoso, se desarrolla la maquinaria. Las máscaras todavía están presentes.
En el escenario, no hay "decoración" en el sentido moderno : algunas puertas, que significan una casa o un palacio, y en ocasiones maquinaria que permite que aparezca un dios recitando una diatriba, de ahí la expresión " deus ex machina ".
En el Imperio Romano , la farsa, el Atellane , interpretado por actores enmascarados, que conocían el favor popular y estaban en el origen de la Commedia dell'arte (lo que hace que las máscaras sean muy similares a las máscaras actuales de la Commedia dell'arte ). , existía antes de que la Nueva Comedia Ateniense fuera traducida para su uso. Y además, la comedia dedicada a la pintura de costumbres romanas ( comoedia togata , interpretada en toga) nunca alcanzó el éxito del Atellane .
La comedia griega ( Nueva comedia ateniense ) fue presentada por Livius Andronicus (280 aC - 204). Por lo tanto, la población ilustrada solo quería monedas griegas. La nueva comedia se exporta a Roma , donde será adaptada a la III ª siglo como el palliata comedia (en la que los actores llevan el vestido griego, el palio ) y ampliamente aceptado por Plauto y Terencio . De hecho, todas las piezas que hemos conservado de Plauto y Térence (de las que a veces se inspiró Molière ) son solo traducciones de comedias griegas.
Desde la dictadura de Sylla (que comenzó en diciembre del 82 a. C.), Atellane fue reemplazada por Mime . Las comedias de Plauto no dejaron de representarse en todo el Imperio hasta la invasión de los alemanes .
Así, la comedia como género teatral se desarrolló en Europa en la antigüedad grecorromana, donde compartió con la tragedia los teatros construidos en el Imperio Romano .
Comedia romana, en la literaturaDe Grecia, la fábula pasa a Roma . Horace ofrece una notable adaptación de La rata de la ciudad y la rata de campo ( Satires , II, 6) que algunos críticos consideran superior a la versión de Jean de La Fontaine . Le seguirá Fedro , quien, como Esopo, nació en Tracia y fue esclavo antes de ser liberado por Augusto . Le debemos seis libros de fábulas, el primero de los cuales comienza con El lobo y el cordero . Con esta colección escrita íntegramente en verso, Phèdre hará verdaderamente de la fábula un género poético por derecho propio. No solo adaptó Esopo al latín, sino que también demostró originalidad: de las 126 fábulas de su colección, menos de la mitad fueron tomadas directamente de Esopo. Incluso si estas fábulas no le atrajeron la gloria durante su vida, Phèdre será emulada.
El poeta Babrius , un contemporáneo romano helenizado de Fedro, reescribe las fábulas de Esoópica en griego y las pone en verso. Conocemos dos colecciones de él, que suman 123 fábulas.
La popularidad de la fábula creció en el mundo grecorromano. Encontramos varias referencias a las fábulas del autor griego Lucien de Samosate (120-180), en particular la de los monos bailarines, que juega con la oposición entre lo innato y lo adquirido, tema común a muchas fábulas, en particular a La Fontaine y Florian. En el IV º siglo, el poeta romano Avianus permitió 42 en su mayoría adaptaciones de Fedra, pero muchos de los que no se atestigua en otros lugares están bien construidos. Su contemporáneo, el griego Aphthonios dejó una colección de 40 fábulas en prosa.
A través del sector latino, las fábulas de Esopo pasarán por la Edad Media e inspirarán a innumerables sucesores.
Después del colapso de la cultura antigua, la Edad Media , que ignoró la palabra "comedia", reinventó muchas formas de teatro cómico. El teatro se juega en la calle (calle de teatro ), en forma de misterios , fábulas , farsas , soties o incluso mimo . Algunos de estos géneros están más o menos inspirados en supervivencias de géneros antiguos como Atellane .
De hecho, la tradición de los malabaristas y el gusto por el entretenimiento de la parodia entre los clérigos se expresaron en la Edad Media en una amplia variedad de piezas satíricas y didácticas:
Desde el XII ° siglo , la burguesía (habitantes de la ciudad), tiene su propia literatura , verdadera sátira social antes de la carta. Es intrínsecamente travieso, pintoresco , pero a menudo realista . Todavía tenemos esencialmente fábulas ( Estula , El galgo y la Serpiente , El Tres Ciegos Compiègne ), el Reynard el Zorro y, más tarde, farsas ( La Farsa del Maestro Pathelin , XV ° siglo ).
En el XIII ° siglo , las obras de teatro en la plaza del pueblo o ciudad. Los espectadores son "burgueses" (habitantes del pueblo), mientras que las cortes de los señores prefieren los espectáculos de torneos , ballets , etc.
En el XIV ° siglo y XV ° siglo , se convierten en las actuaciones pagadas. Como resultado, el teatro se juega cada vez con más frecuencia en lugares cerrados y ya no en la plaza principal . Pocas de las decoraciones se usaron en la Edad Media : la gente a veces estaba satisfecha con los carteles que indicaban los lugares. Pero la maquinaria se está desarrollando para crear "efectos especiales".
Aún en la Edad Media , el papel del bufón era hacer reír a la gente: entretenían, usaban la insolencia y, a veces, eran consejeros; los más conocidos son los necios de reyes y señores . Además, el XV ° siglo , François I er , creó una escuela loco.
En el XV ° siglo , Rabelais escribió Gargantúa convirtiéndose en el primer autor que ha utilizado el burlesque en sus obras. Sus principales obras, como Pantagruel ( 1532 ) y Gargantua ( 1534 ), que son ambas crónica, cuento con sus personajes de gigantes, parodia heroico-cómica, épica y romance de caballería , pero que también prefiguran la novela realista , satírica y filosófica. , se consideran una de las primeras formas de la novela moderna.
En los años 1456-1460, se estrenó una de las raras piezas de comedia de la época La Farce de Maître Pathelin . Siempre el XV ° siglo aparece la moralidad , con figuras alegóricas que representan los vicios y las virtudes de los hombres y los defectos de la sociedad
En el XVI ° siglo , los eruditos crean la comedia humanística , para oponerse a la tradición medieval de relleno y el retorno a las raíces de comedia latina . Las comedias humanistas son las primeras "comedias regulares" en la historia del teatro francés. Es necesario entender por este nombre las comedias compuestas a imitación de la comedia romana y que respetan las reglas formales de la misma, frente a las farsas , sotties , moralidades y otros juegos teatrales de la época designados por el mismo término de "comedia". ", que incluía en el vocabulario actual todos los espectáculos con final feliz (y que todos estarán prohibidos bajo este nombre por edicto del Parlamento de París de 1588 a 1594 ).
Por otra parte, de la mezcla de la farsa con la moralidad nace Sottie , que, bajo el reinado de Luis XII en particular, recuerda la vieja comedia ateniense , al menos por la malicia y la audacia de decirlo todo.
La comedia negra en la disminución de Francia desde el medio del XVI ° sigloEn el medio del XVI e siglo , los misterios están prohibidas (es decir, el género teatral de mayor prestigio). De hecho, la Iglesia ahora considera que la fe debe ser asunto de los doctos y no de los actores (el teatro está en la lista negra de la Iglesia, que lo acusa de mentir sobre la realidad). Así, a pesar de cierta resistencia, el teatro se hunde en declive. Tendremos que esperar una redefinición de este arte para que recupere la coherencia.
Bajo el Renacimiento , los escritores de toda Europa querían volver a las raíces del teatro y la comedia latina apropiada. Llamamos comedia "regular" a la comedia que se inspira en la comedia latina y que respeta sus reglas formales, al tiempo que se opone a las diversas formas de comedias medievales.
En el XV ° siglo (en Italia), los primeros modelos aparecieron en la comedia "regular", siguieron el XVI ° siglo por el Aretino , Maquiavelo ( Mandrake ) y Trissino . Muy rápidamente, la comedia italiana se separó de ella, con Giordano Bruno (el candelabro) y Ruzzante , que compuso escenas populares en dialecto paduano y encontró su estilo en la improvisación de la commedia dell'arte .
“Estos toscos intentos de una comedia indígena fueron rápidamente eclipsados durante el Renacimiento ante la brillantez de las obras antiguas. Todas las naciones alfabetizadas están celosas de apropiarse de la comedia latina. Ningún país, sin embargo, triunfa mejor y con más naturalidad que Italia ... Así, en este tipo de comedia que se llama Commedia dell'arte hay tipos por falta de personajes, poses, por falta de gestos naturales, máscaras por falta de rasgos morales. Son Arlequín, Pulcinella, Brighella, Pantalon, etc., todos los personajes acostumbrados a las farsas populares, quienes, mezclándose con los papeles tradicionales de la comedia antigua, componen de todo esto un extraño drama, lleno de imaginación y más bien de alegría que de verdad, más una caricatura jubilosa que un retrato de la vida. "
Comedia italianaComedia italiana, el XVI ° siglo , ve aparecer la comedia del arte que suplanta la comedia regular; su influencia será considerable en la evolución de las técnicas teatrales.
Comedia shakesperiana e isabelinaEn Inglaterra a finales del XVI e siglo , el isabelino comedia , alimentada por las observaciones, está dominado por William Shakespeare , pero también vale la pena el éxito de Ben Jonson , Francis Beaumont y Juan Fletcher , Thomas Middleton , Thomas Dekker .
La comedia isabelina tenía un significado muy diferente al de la comedia moderna. Una comedia de Shakespeare es aquella que tiene un final feliz, generalmente involucra matrimonios entre personajes solteros, y un tono y estilo que es más ligero que las otras obras de Shakespeare .
Comedia españolaLa Edad de Oro española ( Siglo de Oro en español ) es el período de la influencia cultural de España en Europa del XVI ª a la XVII ª siglo. Es un período de gran vitalidad literaria y artística en España y en los países hispanohablantes de América Latina.
La comedia española del final del XVI ° siglo (sobre todo comedia), instrumentos de todo tipo de intriga con Cervantes , Lope de Vega , Calderón de la Barca , Moreto y Cabaña , Fernando de Rojas , y se abre con Pedro de Alarcón , el " comedia de personajes ", que inspirará directamente a Pierre Corneille (con El mentiroso en 1652).
La comedia en España busca cautivar la imaginación con el interés romántico de la trama, más que con la verdad del corazón humano. El personaje desaparece y se absorbe en la pasión dominante. Prevalece la imaginación y, también, la pasión.
Al teatro le importa poco la verosimilitud de la novela y la verdad del personaje. Cuenta con un joven jinete enamorado y la joven doña de la que está enamorado; están separados por todo tipo de obstáculos, padres inflexibles, un guardián celoso, rivales acérrimos, la distancia de las filas; A través de los incidentes de una trama complicada, seguimos con curioso interés los trucos y esfuerzos con los que los dos amantes se esfuerzan por unirse.
"Echa por este lienzo un criado astuto, una criada intrigante, una tonta, para sacar a relucir algunas escenas de bufonadas, un matamore todavía exagerando el énfasis castellano, infinitos disfraces, biombos, escalas de cuerda, y muchos golpes de espada; y tendrás toda la comedia de Lope de Véga y Calderón. La intriga lo es todo; los personajes no cuentan para nada allí: hay lugar a través de los incidentes sólo para las pasiones. "
Considerada por muchos como la obra más importante escrita en español, Don Quijote es una de las primeras novelas publicadas en Europa. Esta novela, como el mundo en el que vive su autor, Miguel de Cervantes , está en la frontera entre la Edad Media y la Edad Moderna. El segundo volumen se publicó en 1615 , un año antes de la muerte del autor. Don Quijote es tanto una novela medieval, una novela de caballería, como una novela de la entonces naciente era moderna. El libro es una parodia de las costumbres medievales y el ideal caballeresco y una crítica de las estructuras sociales de una rígida sociedad española vista como absurda. Don Quijote es un hito importante en la historia literaria, y las interpretaciones que se le dan son múltiples, pura comedia, sátira social, análisis político.
Contemporáneo de Cervantes, el dramaturgo Lope de Vega es famoso por sus dramas, especialmente los basados en la historia del país. En los cientos de obras que escribe, Lope de Vega adopta, como Cervantes, un enfoque cómico, por ejemplo, transforma una obra de teatro moral convencional en una obra cínica y cínica. Su principal objetivo es entretener a su audiencia. Su mezcla de elementos morales, comedia, drama y genio popular lo convierte en un primo de Shakespeare, con quien a menudo se lo compara, y del que es contemporáneo. Como crítico de la sociedad, Lope de Vega ataca, también como Cervantes, muchas de las antiguas instituciones del país, entre ellas la aristocracia, la caballería, la rigidez de costumbres ... Estos dos escritores constituyen una alternativa artística al ascetismo de un Francisco Zurbarán. Más adelante en el XVII ° siglo , partes de " capa y espada " de Lope de Vega que combina aventuras, amores y la influencia de la comedia su heredero literario, Pedro Calderón de la Barca .
En Francia , en el comienzo de la XVII ª siglo aparecen varias novedades. En efecto, la profesión de actor , aunque sea despreciada por la Iglesia y forma parte de la opinión , fascina cada vez más. Y las mujeres finalmente pueden subir al escenario .
En 1629 aparece Melite de Pierre Corneille , que llamó en la primera edición de "pieza cómica" y no comedia, nueva forma de "comedia romántica" basada en el corazón desgarrado y una nueva concepción del diálogo teatral que él mismo calificó treinta años después como un "conversación de gente honesta", lejos de las formas cómicas entonces conocidas que eran farsa y comedia bufonesca à l'italienne.
En 1630 , el teatro fue reconocido como arte oficial por Richelieu . Y la regla de las tres unidades se recomienda en 1630 en la Carta sobre el arte dramático de Jean Chapelain , consejero del cardenal Richelieu . Dominando gran parte del lenguaje teatral de la época, son característicos de lo que más tarde se denominó teatro clásico . Fueron introducidos en 1634 en la obra maestra de Jean de Mairet , Sophonisbe .
Desde alrededor de 1640 hasta 1656 , la Comédie de cape et épée estuvo de moda en Francia . Será reemplazado por la tragicomedia galante.
El abad de Aubignac jugó un papel importante, porque en La Pratique du théâtre en 1657 analizó el teatro antiguo y el teatro contemporáneo y extrajo de ellos los principios que constituyen las bases del teatro clásico con la regla de tres unidades : la regla de decoro, que nos obliga a representar en el escenario solo lo que no conmocionará al público.
En este siglo dominado por el clasicismo , la distinción entre géneros teatrales es clara: la tragedia y la comedia tienen sus propias características, que un autor debe respetar (hay, sin embargo, algunas formas “mixtas”: Le Cid , de Pierre Corneille , es así un tragicomedia ). Como ocurre con la tragedia , la comedia francesa clásica debe obedecer la regla de las tres unidades .
Comedia | Tragedia |
---|---|
Personajes burgueses | Personajes nobles |
Familia, vida social, dinero, amor (esfera privada) | Poder, política, amor (esfera pública) |
Forma bastante libre; verso o prosa | Cinco actos; hacia |
Registro cómico y final feliz | Registro y desenlace trágicos |
Unidad de lugar, tiempo, acción: regla conocida como las "tres unidades" |
En el XVII ° siglo , en la del Rey Corte de Luis XIV , que actúa como patrón , Molière inventó con Jean-Baptiste Lully 's comedia-ballet en 1661 , y con frecuencia utiliza el burlesque en el teatro desde 1662 en la Escuela de las mujeres .
Incluso si el clero es en su mayoría hostil al teatro y considera que los actores deben ser excomulgados , Corneille y Molière logran imponerse. Corneille se volvió hacia la escritura de tragedias , mientras que Molière (a pesar de su preferencia por la tragedia ) se volvió hacia la escritura de comedia; a menos que fue Corneille quien escribió todo en lugar de Molière (ver autoría de las obras de Molière ).
La France , superada por Italia y España en su renacimiento literario comienza tomándolos como modelos. Esto es lo que hace Molière en un primer momento, antes de diferenciarse ( “El propio Molière toma prestados durante mucho tiempo de las escenas italianas y españolas el lienzo y los personajes de sus primeras comedias; comienza copiando modelos extranjeros, antes de convertirse en original” ).
Tras inspirarse en la farsa y la Commedia dell'arte (que encontraremos en The Flying Doctor ), Molière reinventa la comedia de personajes en L'Ecole des femmes en 1662 (encontraremos la comedia de personajes en George Dandin o la Mari confusa , Le Misanthrope , l'Avare ...), y reinventa la Comédie de mœurs en Médecin Through Him , en 1666 . Así, Molière reconoció el teatro de la comedia como un arte por derecho propio y ya no como un subgénero en comparación con la Tragedia .
“Todo sucede como si, desesperado por no poder hacer tragedias, Molière se hubiera fijado el objetivo de crear comedias tan bellas y serias como las tragedias. "
- P.-A. Touchard, revista literaria Europa
Molière también inventa tres nuevos géneros de teatro :
Pierre Corneille introdujo la comedia heroica (un legado de la comedia española) en Francia , por ejemplo por Tite et Bérénice de 1669 . Finalmente, la Comédie-Française , resultado en particular de la compañía de Molière , se formó en 1680 .
La comedia romanticaLas Fábulas de La Fontaine sigue siendo una tradición medieval francesa de historias cómicas y sátira de las costumbres sociales, cuyos actores son personificaciones de animales, como Reynard el Zorro , donde encontramos la historia del " Cuervo y el zorro " con la moral puesta en adagios, o como Marie de France en la que encontramos la primera versión de "El lobo y el cordero ".
La Fontaine también hizo un trabajo de traducción y adaptación de textos antiguos, como Fábulas de Esopo (por ejemplo, " La cigarra y la hormiga "), Phèdre , Abstémius , pero también textos de Horacio , de Livio ("las extremidades y el estómago") , de las letras apócrifas de Hipócrates ("Demócrito y los abderitanos"), y muchas otras, constituyen una suma de la cultura clásica latina y griega, e incluso abiertas en la segunda colección a la tradición india.
Influencia en toda Europa a la XVIII ª sigloLas comedias de costumbres y carácter , impuestas por Molière , sirvieron de modelo en toda Europa , incluso a los autores ingleses, que abandonaron la terrenalidad y la payasada del teatro isabelino por las comedias de William Congreve y también influyeron en el conjunto. teatro durante parte del XVIII ° siglo ( Moratín , en España ; Carlo Goldoni en Italia ).
En el siglo XVIII E en Francia aparece el teatro de autor, como el de Marivaux y Beaumarchais . En la Ilustración , las " unidades ", reconocidos como esenciales para la XVII ª siglo , ya que les permite (según Boileau , entre otros) para dar mayor verosimilitud a las partes aparecen gradualmente a medida que los grilletes cuyos autores tratan de deshacer. Además, los filósofos de la Ilustración toman partido violentamente contra el clero y su actitud autoritaria hacia el teatro . Los “espíritus libres” creen que el teatro no es sólo un entretenimiento inocente, sino también un medio educativo: Voltaire y Diderot apoyan la idea según la cual la representación de los vicios y las virtudes puede “iluminar” a los hombres. Este Siglo de las Luces vio la aparición de la sátira ( Alain René Lesage en Francia, Sheridan en Inglaterra) y el análisis de los sentimientos ( Marivaux ).
Con Marivaux , los personajes ya no son tipos cómicos o héroes trágicos, sino individuos que se enfrentan a preguntas sobre su identidad. Así, en varias comedias (por ejemplo La Double Inconstance ), los personajes ocultan su identidad al prometido, vistiendo el traje de su ayuda de cámara (o de sus seguidores). Todos quieren conocer su promesa de forma enmascarada, pero también son ellos mismos los que descubren en este juego de máscaras. El lenguaje de Marivaux transcribe los momentos de seducción entre los héroes, y las preguntas de los personajes sobre sus propios sentimientos: es el " marivaudage ".
Este Siglo de las Luces , que juega fácilmente con la emoción y el patetismo, crea, con Nivelle de La Chaussée , la comedia "llorosa" , o la comedia sentimental y romántica con Gotthold Ephraïm Lessing , mientras que Denis Diderot saluda en la comedia "seria" , encarnada de Michel Jean Sedaine , contraparte del drama burgués.
Beaumarchais , con El barbero de Sevilla o Las bodas de Fígaro , otorga al personaje del ayuda de cámara una importancia crucial. El ayuda de cámara ya era un personaje importante antes (en Molière por ejemplo, con Scapin, Sganarelle, etc.), pero en Beaumarchais es el portador de demandas de justicia e igualdad social. Beaumarchais es, pues, un precursor de la Revolución Francesa y de la libertad de opinión que resume su obra Le Mariage de Figaro : “Sin libertad para culpar, no hay elogio halagador” . Tendrá un homenaje en la película Beaumarchais, el insolente (con Fabrice Luchini ).
El teatro de la feria (que reúne la comedia improvisada y la farsa ), heredado del teatro italiano y la Commedia dell'arte , se transforma en una opéra-comique (que a su vez también hereda de la Comédie-ballet ).
En el XIX ° siglo , las reglas del XVII ° siglo (unidades, decoro) son abandonados de forma permanente. Los autores del romanticismo quieren otro teatro . Quieren un tipo de pieza capaz de retratar la historia y el poder, en un estilo que ya no esté sujeto al decoro. Víctor Hugo habla de las unidades como una "jaula" y declara, de manera provocadora: "Yo disloqué a este gran tonto de Alejandría" .
Alfred de Musset , otro autor romántico , se distinguió por el hecho de que abandonó rápidamente las representaciones de sus obras. Tras el fracaso de La noche veneciana , escribió dramas y comedias , en prosa, mezclando jóvenes enamorados y personajes envejecidos, grotescos y autoritarios, en múltiples decorados, difíciles de escenificar. El teatro , con Musset , está hecho para ser leído (e imaginado) más que para ser visto.
Al principio del XIX ° siglo , el mimo y la pantomima , y el títere ( títere ) desde el escenario de la feria , se reconstruyen y adquirió su forma actual. Bajo el Segundo Imperio , el teatro de la feria hizo una transformación final en vodevil en el teatro boulevard (en el que habrá un homenaje en la película Les Enfants du paradis ). Frente a estos repertorios no literarios del teatro cómico, la Comédie-Française , aún muy joven, logra imponer el respeto a los estándares de la dramaturgia , lo que significa que se convierte simbólicamente en una importante institución, garante de tradiciones.
El teatro ruso de la Belle Epoque (desde el final del XIX ° siglo al principio del XX ° siglo ) utiliza las escenas cómicas en una parte "grave". Así, en las obras de Chéjov , la pintura de una sociedad en decadencia, con su galería de personajes lamentables, oscila constantemente entre lo grotesco y lo trágico.
Tras el choque de la primera guerra mundial y la subida de fascismo en la primera mitad del XX ° siglo , aparece más tragedia ( Cocteau , Jean Anouilh , Jean Giraudoux ) que la comedia y de la tragedia aparece como de antiguos mitos .
Diversificación de género en el teatroEn el XX ° siglo , el teatro toma varios canales - que los autores todavía hoy la ampliación y diversificación.
Algunas partes siguen en la vena de la comedia de costumbres , ya presentes en la XVII ª siglo , y el cual tuvo un éxito renovado a finales del XIX ° siglo , con Georges Feydeau y Eugène Labiche (autores de vodevil ).
Simultáneamente aparece un teatro de “subversión”: Alfred Jarry , con Ubu Roi , presenta una obra de teatro hecha para escandalizar (la primera línea es un rotundo “Merdre!”). En cierta proximidad al movimiento dadaísta o al surrealismo , este teatro rechaza cualquier psicología de los personajes para preferir una representación cruda, casi abstracta del hombre.
En plena Segunda Guerra Mundial , aparece el teatro del absurdo ( Eugène Ionesco , Samuel Beckett ): a través de la reescritura antigua, el objetivo es derribar los mitos tomando los mismos héroes, los mismos temas y degradándolos, pudiendo pasar del registro trágico con un registro cómico. En sus obras cuestionan el carácter teatral, el género de las obras ( afirma Ionesco que “lo cómico es la otra cara de lo trágico”) y el lenguaje mismo. Gritos, líneas aparentemente sin sentido se suceden para dar una imagen divertida y aterradora de la humanidad. La escena a menudo se desarrolla en un clima de desastre, pero lo cómico se mezcla para superar lo absurdo. Los personajes suelen reaccionar de forma exagerada.
El teatro del bulevar , después de que el Boulevard du Crime fuera destruido en 1862 (y que "posteriormente, el teatro fue encerrado en edificios y solo dirigido a una pequeña élite" ), se convirtió en el teatro de calle después de la Segunda Guerra Mundial .
Comedia en la literaturaMarcel Proust , en En busca del tiempo perdido , que no es una novela cómica en sí misma, utiliza diferentes formas de comedia:
En el XX ° siglo , la comedia se diversificó en música ( musical ), en el cine ( teatro de comedia ), en la televisión y en las nuevas formas teatrales ( boceto , stand-up y las nuevas formas de improvisación ) .
Ejemplos notables* Comedia de personajes , interpretada por Molière .
Una obra en la que se describen con agrado las costumbres, las faltas y el ridículo del ser humano.
Ninguno de estos epígrafes permite clasificar la obra de Shakespeare, quien en Hamlet muestra los límites de estas categorías: "Tragedia, comedia, historia, pastoral, comedia pastoral, pastoral histórica, tragedia histórica, tragedia histórico-cómico-pastoral, indivisa escena o poema sin límites ” .
Cronología Antiguas formas de clasificacionesEn el XIX ° siglo , según Lemercier en su clase de literatura, hay seis especies de comedias:
Así, de la combinación de los tres géneros de la comedia (intriga, modales y carácter ) resulta lo que Lemercier llama comedia mixta, que admite al mismo tiempo todos los medios, todos los resortes que pueden contribuir al desarrollo de la acción cómica.
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